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Cuando te encaras al tiempo

CARA AL TIEMPO

REAL JARDÍN BOTÁNICO
Del 1 junio al 17 julio 2011

PHOTOESPAÑA 2011

Esther Ferrer, Péter Forgács, Pere Formiguera, Kan Xuan, Lucas Samaras.

. Esther Ferrer

Esther Ferrer, (San Sebastián, 1937) es conocida por sus performances, su principal forma de expresión desde 1965, que realiza tanto individualmente o con el grupo ZAJ (hasta su disolución en 1996).

Su trabajo siempre se ha orientado hacia las acciones efímeras más que hacia un tipo de producción artística permanente. Creó junto con el pintor José Antonio Sistiaga el primer Taller de Libre Expresión, germen de muchas otras actividades paralelas, entre ellas una Escuela experimental en Elorrio (Vizcaya).

A partir de los años 70 también centra su actividad plástica con fotografía trabajada, instalación, cuadros basados en la serie de números primos, objetos…Su obra es de un minimalismo particular que a veces denomina como “riguroso absurdo”.

Esther Ferrer ha realizado performances y participado en festivales por todo el mundo. Su trabajo como performer ha recibido el reconocimiento internacional que en España llegó a partir de la concesión del Premio Nacional de Artes Plásticas 2008. Es a partir de entonces cuando su aportación al arte conceptual comienza a tener mayor visibilidad.

    

Ha expuesto su trabajo plástico en: Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (España); Galerie Donguy, París (Francia); Galerie Lara Vinci, París (Francia); Galerie Satélite, París (Francia); Galería Trayecto , Vitoria (España); Statsgalerie, Stuttgart (Alemania); Koldo Mitxelena Kulturunea, San Sebastián (España); Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla (España); Museo de Arte Contemporáneo de Roskilde- Musee for Samtidskunst (Dinamarca); Circulo de Bellas Artes, Madrid (España).

En su larga carrera como artista de performances las ha realizado en numerosos Festivales tanto en España como en el extranjero (Alemania, Italia, Suiza, Bélgica , Francia, Dinamarca, Noruega, Inglaterra, Holanda , Polonia, Eslovaquia, Republica Checa, Hungría, Estados Unidos, Canadá, México, Cuba, Tailandia, Japón, Core…).

 

 

El Libro de las cabezas, es una suite de 25 fotografías en proceso con la que representó a España en la Bienal de Venecia de 1999. El proyecto toca los temas fundamentales que han marcado su práctica artística, tales como el tiempo y la documentación de su paso inexorable. Cada cinco años se hace un autorretrato fotográfico, lo divide en dos y combina cada mitad de la cara con la de los años anteriores, mostrando así el devenir del tiempo en su propio cuerpo.

    

    

    

    

El trabajo se presenta como una red de variaciones sobre el tema de la presencia física y su constante transformación. El carácter sistemático de estas combinaciones remite a otra serie de trabajos sobre los Numeros primos, en el que lleva trabajando desde los años 70. El resultado es una aplastante, impecable y dramática reflexión sobre la identidad, el tiempo y el envejecimiento, todo ello con un fuerte efecto de presencia.

Estos retratos que contrastan distintos momentos son la expresión del tiempo que pasa, de las marcas que deja en el cuerpo, del envejecimiento… Aquí se manifiestan todas aquellas connotaciones necrófilas que posee la fotografía, pero incluso más intensificadas.

. Péter Forgács

Péter Forgács (1950) es un artista e independiente cinematógrafo establecido en Budapest, Hungría. Se dio a conocer por su serie “Privada Hungría”, que ganó numerosos premios. Esta serie se basa en películas caseras del periodo comprendido entre las décadas de 1930 y 1960, que registran vidas corrientes y que pronto fueron desgarradas por un extraordinario acontecimiento histórico, como la Segunda Guerra Mundial o la ocupación soviética de Hungría.

Desde el año 1976, Péter Forgács es un artista activo dentro del arte de Hungría. A finales de la década de los años 1970 y durante la década de los 1980, colaboró con el conjunto contemporáneo musical Group 180 y con el Balázs Béla Film Studio. Forgács estableció en Budapest el Private Photo & Film Archives Foundation (PPFA, 1983), una colección única de películas caseras filmadas desde el año 1920, que fue su materia “bruta” para realizar sus propias re-orquestaciones postmodernas de la historia.

Forgács aborda en sus trabajos hechos históricos relevantes a través de un prisma artístico, creando narraciones fílmicas casi siempre a partir del llamado found footage. Este se compone de una serie de secuencias reales que fueron filmadas originariamente para ser proyectadas en el ámbito familiar o privado. En sus obras transmite su preocupación por preservar el contexto sobre todo a la hora de construir representaciones en torno a temas tan importantes como el Holocausto. Mediante el uso de ralentizaciones, congelados, tintados o coloreados y distorsionando la relación entre la música y la imagen, aporta valores adicionales al material dando un giro a los documentales típicos del género. De esta manera, su cine se sitúa entre el cine documental de compilación y el cine experimental.

Sus vídeo-instalaciones han sido expuestas en el MOMA, el Centre Pompidou o el Nederland Filmmuseum y ha sido artista residente en el Getty Museum de Los Ángeles. Entre los galardones obtenidos por su labor como cineasta destacan el Premio al Mejor Largometraje Documental por El Perro Negro (2005), que obtuvo en el Festival de Tribeca, y el Prix Europe por Free Fall (1997) de Berlín, entre otros. Además, ha sido distinguido con el Premio Erasmus por su contribución a la Cultura Europea y con el título de Embajador de la Cultura de su país.

La videoinstalación de Péter Forgács Rembrandt Muta consiste en una sucesión líquida a través de morphing de los autorretratos que Rembrandt realizó a lo largo de su vida. Mediante la técnica del fundido, los icónicos autorretratos de Rembrandt se disuelven lentamente, uno tras otro, añadiendo para cada etapa de envejecimiento las huellas del tiempo.

Esta secuencia de imágenes se disponen en caballetes y enmarcadas con marcos dorados. Pero el elemento sorpresa es la intervención digitalizada, que crea la ilusión de una presencia real, estableciendo por tanto una comunicación más directa con el espectador.

 

. Pere Formiguera

Pere Formiguera (1952) es un fotógrafo y escritor español que estudió la licenciatura en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Barcelona aunque centrada en la fotografía. Comenzó a realizar fotografías en 1969, realizando su primera exposición en 1973. Fue miembro fundador del desaparecido grupo Alabern. Además, Pere Formiguera ha sido comisario en diversas exposiciones, estando ligado a la Fundación Joan Miró y al consejo asesor del Museo Nacional de Arte de Cataluña.

En sus comienzos realizó diversos trabajos con Joan Fontcuberta, entre los que se encuentran diversas exposiciones y posteriormente en 1987 el libro Fauna secreta. En 1975 se encontraba entre los autores que colaboraban de un modo habitual en la revista Nueva Lente durante su segundo periodo. Pere Formiguera se ha opuesto a la clasificación de su obra en límites fotográficos estrictos, reivindicando su función artística y experimental, así como el carácter creador del fotógrafo.

Su obra fotográfica se puede encontrar en las colecciones de diversos museos como el MOMA neoyorkino, el MNCARS madrileño o los barceloneses MNAC, MACBA y CCCB.

Su serie Cronos es una reflexión sobre el paso del tiempo a través de retratos realizados con diversos modelos durante un cierto período de años. En alguna serie, la imperceptibilidad de las diferencias existentes entre dos imágenes consecutivas, se vuelve evidencia a medida que pasan los años. Cronos es el retrato del tiempo.

    

Cada fotografía de las nueve que conforman la serie Pare (pertenecientes también al proyecto Cronos) está tomadan con un año de diferencia. Los nueve retratos del padre del artista revelan las diferencias que se producen a lo largo de nueve años. Además, estos retratos se organizan girando a partir de un retrato frontal. El resultado (frente, tres cuartos, perfil…) recuerda al método de la antropometría de Alphonse Bertillon (1853-1914), un frío y científico procedimiento de descripción de la fisonomía de delincuentes, adoptado después para usos policiales y judiciales.

El ojo desplazándose por esta peculiar antropometría descubre, como una interferencia en la descripción objetiva del rostro del padre del artista, la presencia del tiempo, su acción, su huella y su particular relación con la identidad.

    

. Kan Xuan

La artista Kan Xuan (Xuancheng, 1972) trabaja principalmente el vídeo, estando considerada como una de las videoartistas más importantes en China. Sin embargo, Kan Xuan también ha realizado fotografías, instalaciones y performances. Sus vídeos destacan los elementos triviales, sentimientos y sensaciones que experimentamos a diario, pero raramente con previo aviso. Reproducirlos lo más directamente posible, su trabajo es notable por su imaginación, la relevancia y exactitud. En los últimos años ha expuesto en la III Bienal de Moscú de Arte Contemporáneo de Moscú, Rusia (2009): 10 ª Bienal de Estambul, Turquía (2007): 52a Bienal de Venecia, Italia (2007): 2 ª Trienal de Guangzhou, China (2005), De Premio de Roma de 2005, Apple De Amsterdam, Holanda (2005).

Trabaja a través de imágenes directas y sencillas, logrando proponer un lenguaje visual de gran impacto. Xuan, utiliza el humor, la ligereza junto con una gran ironía y puestas en escenas dramáticas.

La obra ¡O todo! (2005) fue realizada por Kan Xuan con el apoyo del FBKB, Holanda. Se trata de una vídeo instalación compuesta de diez monitores donde se muestras rostros de estatuas de Buda, inmóviles en su mayor parte, pero que de vez en cuando sufren vibraciones esporádicas. Así, la obra con las estatuas de Buda sugiere una mística de la inmovilidad temporal.

    

. Lucas Samaras

Lucas Samaras (Kastoriá, Grecia, 1936) es un artista griego. Estudió en la Rutgers University, donde conoció a Allan Kaprow y George Segal. Participó en los “Happenings,” de Kaprow y posó para las esculturas de plástico de Segal. Claes Oldenberg, en cuyos Happenings también participó, posteriormente se refiere a Samaras como uno de sus compañeros de la “escuela de Nueva Jersey,” que también comprende a Kaprow, Segal, George Brecht, Robert Whitman, Robert Watts, Geoffrey Hendricks y Roy Lichtenstein.

Antes de comenzar a realizar fotografías Samaras realizó obras como pintor, escultor, y performances. Su trabajo frecuenta múltiples obsesiones, particularmente la de trabajar consigo mismo como objeto. A través de un complejo trabajo de laboratorio donde se auto analiza, Samaras transforma el ejercicio freudiano de observarse en un acto de arte. Sus fotografías revelan un auto-conocimiento devastador, que no busca ocultar sus debilidades sino convertirlas en sus fortalezas.

En 1973 Samaras descubrió que al mojar las polaroids podía manipular sus imágenes, lo que le permitió crear las “Photo-Transformations”, fotografías distorsionadas y terroríficas, aunque tremendamente conmovedoras. De ahí en adelante, experimentó con prácticamente todo lo que se le puso por delante, desde rotuladores a rayos X. Este excéntrico visionario pasea por la fotografía en una provocadora exploración de los limites del arte, la técnica y si mismo.

~ by lostonsite on 14 julio, 2011.

Arte, Exposiciones

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