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Cuando la duda siembra su poder

PHOTOESPAÑA 2011
MUSEO DE COLECCIONES ICO (MUICO)

EL PODER DE LA DUDA
Del 1 de junio al 11 de septiembre 2011

Nuestra era está dominada, conformada y determinada por la tecnología digital. Nuestra existencia e identidad se transforman y redefinen constantemente por interfaces en forma de flujo de imágenes y textos digitalizados. Estas interfaces oscilan entre los hechos y la ficción. Constituyen la sustancia contemporánea de la realidad y la verdad. Pero resultan inevitablemente fantásticas y alucinatorias.

Hoy en día el arte y los artistas están, como también lo está el mundo, muy “globalizados”. Los medios digitales -desde las imágenes estáticas y en movimiento hasta internet- son, al mismo tiempo, los recursos y los materiales necesarios para la producción artística. Los artistas siguen confrontando, abrazando e interrogando la naturaleza de la realidad, la verdad y los sueños. Pero los procesos son más fluidos, inciertos y precarios que nunca mientras que los resultados generan más suspense, más duda y más crítica que las conclusiones o la resolución. El poder de sus pensamientos y de sus expresiones yace precisamente en este proceso de duda.

Muchas de las obras de arte de la actualidad expresan la necesidad de la duda en la manera de ver, de recordar y de comunicar el mundo real oscilando una vez más entre verdades espectaculares y ficciones dramatizadas.

. HAMRA ABBAS

Hamra Abbas comenzó sus estudios en la Escuela Nacional de arte de Lahore, Pakistán y posteriormente continuó sus estudios en la Universidad de Berlín. Estas experiencias fueron muy importantes para su formación, ya que la introdujeron en las artes visuales, primero en Pakistán y luego en Berlín.

Las obras de Hamra Abbas se basan en tradiciones ampliamente aceptadas, a menudo de una manera lúdica. Apropiándose de la imaginería e iconografía de gran carga cultural, y transformándolas en nuevas obras que puedan ser experimentadas espacialmente y temporalmente, Hamra Abbas crea nuevos puntos de vista sobre las nociones de la propiedad cultural, tradición, intercambio y poder.

Hamra Abbas fue galardonada en el año 2011 con el Premio de Abraaj Capital, y con el premio del Jurado en la Sharjah Biennial 9: Provisions for the Future. Su obra se ha incluido en numerosas bienales, exponiendo en museos como en el V&A de Londres, ARTIUM de Álava, Vitoria-Gasteiz, Ifa Gallery de Berlín, o en la Manchester Art Gallery de Reino Unido. Hamra Abbas vive y trabaja entre Boston  e Islamabad, pero actualmente se ha establecido en Nueva York.

– Paradise Bath (2009)

La obra Paradise Bath (2009) es un conjunto de 9 fotografías, que muestran el resultado de una performance que Hamra Abbas realizó durante su visita a Tesalónica, Grecia. Durante su visita, Hamra se sintió inmediatamente atraída por la primera casa de baños otomana construida en esa ciudad en 1444. Conocida como Bey Hammam (Baño Paraíso), se encuentra en el centro de la ciudad y es una de las principales atracciones turísticas, además de ser un símbolo del pasado musulmán del país. Esta obra toma el arquetipo de la imagen orientalista de una escena de baño para poner de relieve temas como raza, memoria y poder, haciendo referencia al ritual de lavar/limpiar, símbolos en el Islam y asociados con la recuperación de la pureza.

 

– Paisajes urbanos (2009)

Su serie de fotografías “Paisajes urbanos” es aparentemente una colección de fotografías turísticas de Estambul. Pero si se fija con atención, se ve que falta un elemento que otorga carácter y distinción a la ciudad: los alminares. Cada foto fue tomada al amanecer y está incrustada en una narrativa que invita al público a imaginar una ciudad que ha cambiado de la noche a la mañana.

El trabajo está inspirado por la controversia de los alminares en Suiza, donde por unanimidad el país las prohibió en 2009. Abbas, con esta obra critica la percepción occidental de ver los alminares como símbolos políticos del Islam, cuando para el mundo musulmán, son parte del imaginario socio-cultural y estético.

. ADEL ABDESSEMED

Adel Abdessemed (Constantine, Algeria 1971) es un artista conceptual que vive y trabaja en París. Está representado por David Zwirner, Nueva York y Dvir Gallery, Tel Aviv.

Abdessemed comenzó sus estudios en la École des Beaux-Arts en Algiers, Argelia desde 1987 hasta 1994. Debido a la inestabilidad política en Argelia, se trasladó a Lyon, Francia en 1994. Continuó su formación en la Escuela de Bellas Artes de Lyon, para contemplar sus estudios en París en el año 2000.

Dentro de una amplia gama de medios (dibujo, vídeo, fotografía, performance, e instalaciones), Abdessemed transforma objetos e imágenes cotidianas en declaraciones artísticas inesperadas e incluso chocantes. A través de numerosas fuentes personales, sociales y políticas, consigue crear un lenguaje visual que es a la vez rico y económico, sensible y controvertido, radical y mundano.

Muchas situaciones creadas por Abdessemed están basadas en acciones singulares y deliberadas, o, como él mismo las denomina, actos, los cuales son registrados, más que documentados, con vídeos y fotografías, y a menudo se yuxtaponen posteriormente como una escultura que recuerde la acción en sí misma.

Adel Abdessemed pertenece a una generación de artistas que tienen en Francia, y en concreto en su capital, París, el lugar desde donde han comenzado a trabajar de un modo sistemático en torno al análisis de las restricciones asociadas con la cultura occidental –islámica–, y su hibridación; una mezcla que enriquece su percepción pero que no está exenta del conflicto permanente vinculado a ambos contextos.

Problemáticas sociales y políticas a las que Abdessemed será particularmente sensible por su origen argelino, integrando en su práctica artística –vídeos, escritos, dibujos, esculturas o instalaciones–, elementos íntimamente ligados con ambos territorios, y que ahondan en la lectura crítica y comprometida de lo contemporáneo.

Imágenes inquietantes, saturadas de referencias, que hacen del uso y abuso de los límites de lo políticamente correcto su particular estrategia de Tolerancia Zero; como acción enfrentada a los discursos hegemónicos del conflicto. Los temas que Abdessemed presenta en sus obras abordan cuestiones como las de la libertad de expresión, la propaganda política o la violencia. Imágenes agresivas que, a pesar de su sencillez, entablan de forma inmediata correspondencias evidentes con cuestiones de difícil resolución.

. DU ZHENJUN

Du Zhenjun nació en Shangai, aunque reside actualmente en París. Su obra siempre se focaliza en el estado del “Hombre Moderno”, en la cuestión de su ser y su razón de ser. Desde que abandonó China, se ha centrado en el arte multimedia, comenzando su carrera artística en Francia. Sus primeras obras “Effacement”, “Dog Man” y “Injury”, al igual que sus obras más recientes como “Human Cage” y “Shark Man” son intentos de emitir una especie de noción sobre las Políticas del Cuerpo y la Identidad que han dado forma a la moderna humanidad.

 

En estas obras, el artista expresó su preocupación y reflexión sobre la disciplina social, autoridad intelectual y sistema. Como mecanismos civilizados, sus influencias y controles sobre el cuerpo humano y el espíritu y las latentes alienaciones y daños causados, son aspectos en los que se pueden encontrar este tipo de reflexiones y pensamientos en los discursos de Michel Foucault.

 

La obra de Du siempre posee un hilo de crueldad y violencia; a veces están incrustados metafóricamente en el contexto de su obra. Utiliza diferentes materiales y medios para producir su obras. Emplea intensivas tecnologías relacionadas con ordenadores, pero detrás del deslumbrante impacto visual creados por el artificio científico, se puede sentir la posición crítica de Du y su profunda sensibilidad sobre la naturaleza humana y su inter-relación con la sociedad y la civilización.

En definitiva, su obra trasciende el medio y la tecnología, infiltrándose en el dominio de la exploración del poder espiritual y la lógica del lenguaje del arte. Utópica expectación de la unidad armónica del mundo.

 

Su obra Torre de Babel o Super Towers, es una curiosa visión del apocalipsis, en las que convierte las ciudades chinas modernas en nuevas Torres de Babel. Du Zhenjun construye ciudades monstruosas, dominadas por torres compuestas con una acumulación de elementos de edificios actuales. Esta serie, inevitablemente recuerda a las imágenes de Metrópolis, la célebre película dirigida por Fritz Lang en 1927. Los collages de Du Zhenjun muestran unos edificios tecnológicamente avanzados, pero a su alrededor reina un caos absoluto, no sólo por el desorden edificatorio, sino además por inundaciones y otros desastres naturales, así como una extrema violencia contra los empequeñecidos ciudadanos.

. THIERRY FONTAINE

Thierry Fontaine nació en La Reunión en 1969, y estudió en la escuela nacional superior de artes decorativos de Estrasburgo. Estució en el PS1 de Nueva York, en la Villa Medici (Roma) y en el Kunstwerke (Berlín).

Sus obras fotográficas combina elementos de escultura y documentales. Estos autorretratos contribuyen a eliminar su propia presencia e identidad mediante la cubrición de su cara o cuerpo en arena, arcilla o barro volcánico, elementos tomados del lugar en el que se realiza la obra. Mediante esta acción, se transforma a sí mismo en un objeto escultural; una conjunción de lugar y persona.

 

Los temas desarrollados por Fontaine se centran en la preocupación de la identidad personal y la definición cultural, y en la relación de ambos en la situación geográfica.

 

. SHAUN GLADWELL

Shaun Gladwell (1972-)es un videoartista australiano que ha ganado reconocimiento mundial por su singulares obras de arte, tanto en vídeo, pintura o fotografías. Shaun Gladwell describe sus vídeos como “actuaciones paisajísticas”, y como si estuviesen ambientadas en un medio rural o urbano, normalmente presentan una yuxtaposición de lo visual frente al entorno en el que existe.

Shaun Gladwell a menudo utiliza recursos fílmicos como el slow-motion y largos recorridos de cámara para capturar tanto lo que está firmemente coreografiado como las actuaciones improvisadas. Las obras resultantes son sorprendentemente hipnóticas y muy poéticas, debido a su distorsión de velocidad, inversión de la gravedad o sobre todo por el desplazamiento del espacio y el tiempo.

Los mejores ejemplos de las secuencias de vídeo de Shaun Gladwell, junto con sus recientes piezas, fueron presentadas en una exposición situada en Melbourne “The Australian Centre for the Moving Image”, en el año 2011.

En octubre del año 2009, Shaun Gladweel pasó tres semanas junto con las tropas australianas en Afganistán y en Oriente Medio. Como resultado realizó una vídeo instalación, Double Field. Esta obra es la respuesta de Gladwell a los soldados, tecnología y paisajes que experimentó durante su viaje. En particular, explora la forma en la que los soldados, que forman parte de la Fuerza de Seguridad de la Asistencia Internacional, están entrenados para observar y responder de forma rápida a los entornos extranjeros.

. JIANG ZHI

Jiang Zhi nació en 1971 en Yuanjiang, China. En el año 1995 se graduó por la Academia China de Bellas Artes. En la actualidad vive y trabaja en Pekín y Shenzhen, China.

En su obra Things Would Turn… Once They Happend (“Las cosas se volverían… una vez que sucedieran”) (2006-2008), Jiang Zhi retrata los deseos individuales de que algo inesperado y fuera de control pueda cambiar sus cotidianas vidas.

“En estos tiempos de cambio, la gente espera que les pase algo a ellos, algo que lanzará luz sobre ellos, como un foco. Todo será mucho más sencillo, más bello, más duradero. Están esperando que sus vidas cambien por este “algo” de forma permanente. La creencia religiosa, el amor, la salud, la oportunidad, cualquier cosa que cae sobre nosotros es bienvenido, siempre y cuando nos pueda rescatar de nuestra repetitiva vida diaria. La vida no está sólo en otro lugar, sino que empieza mañana. ¿Lo que cae sobre tí es la verdadera felicidad? ¿O es sólo un desastre disfrazado?”. Jiang Zhi.

A pesar de lo que uno pueda pensar viendo las fotografías de esta serie, éstas fueron producidas y registradas tal y como se ven. Casi no existe postproducción o edición digital de las fotografías. El artista, y un equipo de 10 individuos realizaron las diversas fotografías con técnicos de iluminación y con la utilización de grúas.  La única corrección digital está realizada en tres fotografías de la serie The Things would turn unbelievable once they happend, (“Las cosas se volverían increíbles una vez que sucedieran”) donde las personas aparecen suspendidas en el aire. El individuo fue suspendido mediante cables y grúas, que necesitaron ser eliminados mediante postproducción digital.

. DINH Q. LÊ

Dinh Q. Lê (1968 – ) es un fotógrafo vietnamita, conocido por sus fotografías tejidas. Nació en 1968 en Hà Tiên, una ciudad vietnamita cerca de la frontera de Camboya. La invasión vietnamita de Camboya tuvo lugar en 1978, cuando Lê tenía diez años, que provocó que su familia emigrase a Los Angeles. Lê se licenciaría en fotografía en la Universidad de California, Santa Barbara. Inspirado por las enseñanzas de su día durante su infancia, comenzó sus primeros foto-tejidos utilizando una técnica tradicional. Continúo con esta habilidad durante su formación con la “School of Visual Arts” de Nueva York. Siguiendo la manera tradicional vietnamita de tejer alfombras con césped, Dinh Q. Lê utiliza tiras fotográficas y las teje dentro de una imagen. Sus fotografías tejidas están compuestas de distintas capas, que inmediatamente atraen al espectador, cuya percepción provoca una mezcla de sentimientos. Una combinación de alegría y de pesar se transmite a través del entrelazado de una fantasía colorista con imágenes lúgubres de la Guerra de Vietnam. El espectador necesita gastar algo de tiempo y seguir el diseño tejido para poder apreciar completamente la intricada composición de imágenes.

A través de estas tiras fotográficas entrelazadas, Dinh Q. Lê crea fotomontajes de gran escala. Las imágenes están impresas sobre un tejido brillante a través de una impresión de color cromogénica. Para rematar los bordes utiliza cintas de lino, que exige una meticulosa y precisa destreza.

Utilizando fotografías tomadas en la Guerra de Vietnam e imágenes de él mismo o de su familia, Dinh Q. Lê crea una asombrosa obra de arte. Mezcla la cultura occidental y oriental, el pasado con el presente, realidades ficticias con realidades personales, a través de entrelazar tiras fotográficas.

Tras emigrar a Estados Unidos, Dinh Q. Lê creció viendo numerosas películas sobre la Guerra de Vietnam. Sin embargo, como nunca experimentó estos acontecimientos, descubrió que un recuerdo que no le pertenece le fue impuesto a través de las películas. su obra incluye tanto sus memorias colectivas como sus ansiedades. Sus sentimientos encontrados se presentan con distintos personajes a través de su obra, como  una chica Playboy vestida de vaquera y sosteniendo una pistola de juguete procedente de Apocalypse Now, entretejida con unGeneral survietnamita, Nguyen Ngoc Loan y el sospechoso del Viet Cong Bay L op.

Bajo el título de “De Vietnam a Hollywood” el artista presenta una serie de fotomontajes compuestos por dos planos en el que rastrea los pequeños y apenas conocidos hechos históricos de una guerra compleja como fue la de Vietnam.

Esta es una obra crítica que habla de la Guerra, de los efectos devastadores que tuvo sobre su país y sus gentes y lo hace a través de un lenguaje cinematográfico. Cada fotografía está tejida de manera que crea una profundidad con dos dimensiones: en primer plano y con colores vivos, encontramos fotogramas con una imaginario occidentalizado que nos recuerdan a las películas “made in Hollywood”. En un segundo plano, y en blanco y negro, se representan imágenes llenas de dolor y realismo; son las imágenes de una guerra: un padre sosteniendo a su hijo herido en brazos, militares cargando con armamento, ciudades destrozadas…

Son dos lecturas de una misma guerra. Din Q lé, a través de esta obra pretende crear un imaginario convincente, capaz de desafiar la voz de los medios masivos y poner en duda la lectura de una guerra que conocemos fundamentalmente a través del cine. Una guerra siempre tiene dos lecturas, Dinh Q Lè las unifica bajo una única obra.

En su vídeo South China Sea Pishkun, sobre un tranquilo mar comienzan a caer diversos helicópteros, como si fuesen pájaros abatidos precipitándose al vacío.

. WANGECHI MUTU

Wangechi Mutu (1972 -), procedente de Nairobi, Kenya, de la tribu Kikuyu, fue educada en Nairobi en el Loreto Convent Msongari (1978-1989), y después estudió en la United World College of the Atlantic, en Gales. Mutu se trasladó a  Nueva York en la década de 1990, centrándose en los estudios de Bellas Artes y Antropología en la New School for Social Research y Parsons School of Art and Design. Mutu consiguió licenciarse en Bellas Artes en la Cooper Union for the Advancement of Arts and Science en 1996, consiguiendo cuatro años más tarde el Máster de Bellas Artes de la Universidad de Yale.

Wangechi Mutu comenzó a darse a conocer en el año 2000 a través de sus dibujos y sus collages figurativos. La estética de Mutu emplea una economía de superficie y profundidad para conseguir su propia mitología. La artista manipula tintas y pinturas acrílicas en manchas de color, para luego realizar una cuidadosa imaginería, que muestra distintas fuentes -diagramas médicos, revistas de moda, antropología y textos de botánica, pornografía, y artes tradicionales de África.

La obra de Mutu ha sido expuesta en galerías y museos de todo el mundo, incluyendo el San Francisco Museum of Modern Art, Miami Art Museum, Tate Modern de Londres, Studio Museum de Harlem en Nueva York, Museum Kunst Palast de Düsseldorf, Alemania, y en el Centro Pompidou de París. Su primera exposición individual en un gran museo norteamericano fue en la Art Gallery de Ontario en marzo del 2010.

Ha participado en la 2008 Prospect 1 Bienal de Nueva Orleans y en la 2004 Gwangju Bienal de Corea del Sur. Su obra también ha sido expuesta en importantes exposiciones colectivas como en el Greater New York at the P.S. 1 Contemporary Art Center y el Museum of Modern Art de Nueva York, Barbican Centre o The Royal Academy de Londres.

El 23 de febrero del 2010, Wangechi Mutu fue honrada por Deutsche Bank como la primera Artista del Año. El premio incluía una exposición individual en la Deutsche Guggenheim de Berlín. Bajo el título de My Dirty Little Heaven, la muestra viajó en junio del 2010 a Wiels Center for Contemporary Art de Bruselas, Bélgica.

Mutu está representada por Barbara Gladsonte de Nueva York, Susanne Vielmetter Los Angeles Projects, de Los Angeles, y por Victoria Miro Gallery de Londres.

 

. PAK SHEUNG CHUEN

Pak Sheung Chuen nació en Fujian (China) en 1977. Inmigró a Hong Kong a la edad de 7 años, donde actualmente vive y trabaja. Pak es un artista conceptual que es conocido por su habitual columna de arte visual en el periódico local “Mingpao”. Su obra es conceptual, poética y cómica. Cada obra es un pensamiento profundo sobre la vida cotidiana. Fue premiado con el Overseas Exchange Prize por el “Macao Museum of Art” en el año 2005. Obtuvo la beca de investigación de la Lee Hysan Foundation en el año 2006 por parte del Ministerio de Cultura, permitiéndole trabajar en Nueva York. Pak ha publicado dos libros: Odd One In: Hong Kong Diary y See Walk What on 1 July. 

Su obra Viajar sin experiencia visual (#4), es una instalación que relata su experimento de su viaje por Malasia con los ojos vendados, para experimentar la sensación de ser ciego. Con la intención de presentar esta experiencia como un viajero ciego tomando fotos, la obra se compone de una habitación completamente oscurecida donde se muestran las fotografías en Malasia. Los espectadores deben llevar sus propias cámaras para poder capturar las imágenes mediante flash, dentro de la habitación y visualizarlas al salir de ella.

“Me uní a un grupo en un tour de 5 días y 4 noches por Malasia, un país en el que nunca había estado. Desde Hong Kong a Malasia y de vuelta a Hong Kong. O cerré o cubrí mis ojos (para simular que era ciego) durante todo el viaje. Mientras viajaba seguí haciendo visitas y sacaba muchas fotos, pero en lugar de ver, solamente utilicé mi cuerpo para percibir y experimentar lo que me rodeaba. Estas fotografías permitían a mis ojos “futuros” ver los paisajes extranjeros documentados posteriormente. Mis imágenes junto con las fotografías y los vídeos de otros miembros del grupo, se convirtieron en la única referencia de mis recuerdos indirectos y mi experiencia visual de Malasia. Nunca volveré a Malasia”. Pak Sheung Chuen.

 

. DAN PERJOVSCHI

Dan Perjovschi es un artista, escritor y dibujante que nació en 1961 en Sibiu, Rumanía. Perjovschi, durante la última década, ha realizado dibujos en espacios museísticos, como en el Museum of Modern Art en Nueva York, en donde creó el dibujo durante las horas laborables de los mecenas para que lo viesen.

El dibujo es la principal estrategia de creación de Dan Perjovschi. A través de él, traspasa los límites establecidos de los soportes habituales, apropiándose de los techos y paredes de los espacios expositivos y tratándolos a modo de pizarra, en los que desarrolla su libertad. Sus intervenciones son sencillas y directas, con un estilo muy cercano al lenguaje del comic.

Estos dibujos presentan comentarios políticos que responden a sucesos actuales. Sus obras están formados por un conjunto de muchos dibujos de estética de tira cómica. Se trata de una mezcla de dibujos de cómics, grafittis y piezas artísticas que están dibujadas directamente sobre las paredes de los museos.

Dan Perjovschi ha tenido un papel activo importante en el desarrollo de la sociedad civil en Rumanía, a través de su actividad editorial con Revista 22, un magazine cultural publicado en Bucarest, y ha estimulado el intercambio entre los ambientes artísticos contemporáneos internacionales con Rumanía.

En la obra realizada en Madrid, Correcciones (2011), el artista partió de la idea de que el arte y los artistas de hoy en día, como el propio mundo, está globalizado. En esta obra trata temas vinculados a cuestiones políticas y sociales, filtrados por una mirada tan crítica como irónica que trata siempre de implicar al espectador. Para esta ocasión, el artista quiso plasmar acontecimientos tan actuales como la acampada del 15M de Sol, los movimientos de los “Indignados” en las diferentes ciudades españolas o las revoluciones en los países árabes. El consumismo, la globalización, las fuerzas del orden y la crisis económica son temas que también ha tratado a lo largo de su producción.

. SHAHZIA SIKANDER

Shahzia Sikander (Urdu, 1969) es un artista de Lahore, Punjab (Pakistán). En la actualidad reside en Nueva York, especializándose en pintura de miniatura de Mughal y Persa. Además ha creado murales, instalaciones, obras de diversos medios y arte performativo. En el año 2006 recibió la “beca genio” por parte de MacArthur Fellows Program. Se licenció en 1992 en la National College of Arts de Lahore (Pakistán), y terminó un Máster en 1995 en Rhode Island School of Design de Providence (Rhode Island).

Shahzia ha expuesto individualmente en numerosos museos como el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (1999/2000) y en la Renaissance Society en la Universidad de Chicago (1998). Su obra también ha participado en otras exposiciones colectivas en el Whitney Museum (1999/2000), y en la Third Asia-Pacific Triennial of Contemporary Art, de Brisbane, Australia (1999) y en el Ludwig Museum, de Colonia (Alemania, 1999).

Sikander ha sido instruida en la tradición de Pakistan de pintura de minitaura, y combina la iconografía histórica y la técnica con su propia estética, dando como resultado un híbrido de estilos tradicionales y contemporáneos. La imaginería en su obra hace referencia a las tensiones que existen entre el Islam, Hinduismo y Cristianismo, además de su propia historia, política y sexualidad. La religión es un elemento muy importante en su arte junto con su vida personal. Sikander explora particularmente el papel de la mujer musulmana y desafía la opinión occidental que asocia el Islam con terrorismo y con opresión a la mujer.

Como musulmana procedente de Pakistán trabajando y viviendo en América, Sikander ha explorado los estereotipos de Oriente y las mujeres pakistaníes, temas que se relacionan con el Hinduismo y el Islam que divide Pakistán e India. Ha transformado formas de arte tradicional -el género de pintura de miniatura, de gran precisión y a menudo impersonal- en un contexto de arte contemporáneo, mezclando imágenes de la mitología hindú y la iconografía musulmana, poniendo paralelo la complicada y entretejida historia y cultura india y pakistaní. Sikander también ha llevado el velo en público (algo que no hacía antes de trasladarse a Estados Unidos), y ha descrito esto como una forma de performance.

El vídeo-ensayo Bending the Barrels (“Doblando los cañones”) (2008), que se estrenó en Nueva York a principios de 2009, registra una banda militar del Ejército Pakistaní actuando en formación. Esta acción es examinada como un  mecanismo político. Sobre el significado del vídeo, la crítica de arte Aditya Dev Sood dice:

“En su elección de la Banda Militar Pakistaní como tema para su representación visual, Sikander desencadena profundas resonancias dentro de la tradición de la pintura de miniatura Indo-Islámica. El lenguaje corporal, ritmo, espacio y efectos de composición que descubre y crea en el vídeo parecen tener sus raíces en los distinguidos espectáculos junto con su representación pictórica, de varios estilos Mughal o del posterior Imperio Británico”.

Bending the Barrels es un viaje de 15 minutos a través de la retórica militar y su pompa (diferentes grupos de soldados aparecen retratados mientras interpretan música), que muestra cómo una forma de expresión artística puede ser convertida en una declaración política. La actuación de los soldados está acompañada de eslóganes y frases de la jerga militar, como “Fuimos abandonados sin ninguna opción”, “Se nos pidió que estuviésemos aquí”, “La situación está ahora tranquila, estable y bajo control”…

El actual clima político en Pakistán y la larga lucha del país por conseguir una democracia, son el centro de esta pieza. Lo realmente destacado del vídeo es como incluso en los momentos de mayor afirmación de grupo, Sikander realiza retratos de cada uno de los hombres que forman dicho grupo. La ternura y sentido de disciplina que emanan son una invitación para volver a ver la pieza, revelando cómo incluso la situación aparentemente más mono-dimensional supone muchas realidades superpuestas.

. NEDKO SOLAKOV Y DIMITAR SOLAKOV

Nedko Solakov nació en Cherven Briag (Bulgaria), en 1957, y se graduó en pintura mural en la Academia de Bellas Artes de Sofía, en 1981. Su estricta formación técnica le dotó de una serie de recursos estilísticos muy útiles para el efervescente período de su eclosión como artista conceptual en los noventa. En Bulgaria, a mediados de los ochenta, el Sindicato de Artistas estatal aún regulaba férreamente los encargos, las exposiciones y los contactos con el extranjero. Durante ese período los artistas sostenían su reputación en las bienales de grabado y artes gráficas, pero las nociones de arte conceptual, instalación, performance y site specificity empezaban a desafiar las prácticas establecidas y Solakov participó activamente en la fundación de colectivos independientes y en el proceso de emergencia del arte experimental en su país.

El año1989 fue el de la caída del muro de Berlín, símbolo del colapso de la Europa del Este al que no escapó Bulgaria. Los proyectos de esa época son indicativos de la transformación de Solakov. View to the West (Vista hacia Occidente) (1989) consistió en la instalación de un telescopio en la terraza del Sindicato de Artistas. La orientación hacia occidente pasaba aún por la visión de la estrella roja que coronaba el edificio de los cuarteles generales del Partido Comunista Búlgaro. Top Secret (1989-1990) recogía la vida del propio Solakov en fichas y se convertía en un acto de revisión y de afirmación de su individualidad. Naked Body (Cuerpo desnudo) (1987) era una pequeña pintura actualmente destruida. Representaba un caracol desnudo, sin concha, y aludía al despojamiento existencial, político y estético de aquellos días. Ese despojamiento marcaba el renacimiento hacia otros devenires pues el deseo de conectarse con la escena internacional, la conciencia de su propio potencial como artista y una enorme voluntad de supervivencia no permitieron que Nedko se quedara encerrado en los estrechos límites que la Bulgaria poscomunista le ofrecía.

A Life (Black & White) (Una vida [blanco y negro]) (1998-2001), presentada en la Bienal de Venecia de 2001, es uno de los ejemplos mas relevantes de lo lejos que Solakov ha llegado desde aquellos primeros ejercicios conceptuales. Día tras día, durante los cinco meses que duró la Bienal, dos trabajadores/pintores repintaron las paredes del espacio expositivo en blanco y negro, siguiéndose el uno al otro. Las fronteras entre las zonas blancas y negras cambiaban cada vez y se modificaban lenta y constantemente, como un malévich en movimiento, en palabras de Juan Manuel Bonet. Este proceso circular de acumulación de capas, de repetición eterna a la manera de Sísifo, articulaba el tiempo de la performance con la ampliación del espacio de la pintura, convirtiendo la obra en una extraña alegoría del abismo, del sinsentido del trabajo pero también de las posibilidades de juego y variación en la repetición. Cualquier otro de sus proyectos de los años noventa muestra que su madurez creativa se basa en la brillante combinación de su enorme capacidad de fabulación, su ironía y su pericia para el dibujo y la escenificación. La amplia versatilidad para encarnarse en todo tipo de soportes es obvia en el proyecto On the Wing (Sobre el ala) (1999-2000), que consistió en escribir frases en las alas de los aviones de la compañía Lux Air. Cuando el viajero, confortablemente instalado en su asiento, miraba por la ventana, se veía interpelado por pequeñas y divertidas historias que estimulaban sus fantasías o le hacían participar en diálogos ficticios.

La crítica de arte búlgara Iara Boubnova ha definido la creación de Solakov como «maximal art», situándolo, certeramente, en las antípodas de la pretensión fáctica del minimalismo. Para Solakov lo que el espectador ve nunca es «sólo lo que ve» sino un indicio que le transporta a asociaciones, evocaciones y fantasías múltiples. Esta capacidad de fabular cualquier detalle del mundo le ha llevado a tratar los temas más diversos. A muchos proyectos les ha dado la forma de instalaciones porque la instalación es un medio decididamente barroco, narrativo e interactivo, que incorpora objetos que ya existen y los reordena en un espacio físico tridimensional en el que también se incluye al espectador y sus recorridos. Solakov ha hecho fascinantes críticas de la «institución arte» en Mr. Curator, please… (Señor comisario, por favor…) (1995) o en The Collector of Art (Somewhere in Africa there is a great black man collecting art from Europe and America, buying his Picasso for 23 coconuts and his early Rauschenberg for 7 antelope bones…) (El coleccionista de arte [en algún lugar de África hay un gran hombre negro que colecciona arte de Europa y América, que compró su picasso por 23 cocos y su rauschenberg de la primera época por 7 huesos de antílope…]) (1992-2000), y proyectos sobre el deseo no de «ser otro» (un héroe rico, un actor famoso…) sino de «ser otra cosa», como en la instalación que realizó en 1996 para Manifesta 1, This is me, too… (Esto soy yo, también…) presentada en una sala circular del Museo de Historia Natural de Rotterdam. Solakov se convertía en un copo de nieve, en una flor seca de un herbario, en un pato disecado, en un fósil, e iba dejando testimonios de sus diferentes devenires en forma de indicios escultóricos, fotografías, dibujos, textos, etc.

Dimitar Solakov (Sofía, Bulgaria 1987), hijo del artista Nedko Solakov, estudió fotografía en la New Bulgarian University de Sofía. Su pincipal medio es la fotografía. En sus instantáneas intenta capturar momentos cotidianos que le permiten hacer declaraciones tanto personales como documentales.

Su obra The Abyss, the warnings (or How to Convince my Son that this is a Dangerous Name for a Music Club and I don’t have Friends, too) (“El abismo con advertencias o cómo convencer a mi hijo de que es un nombre peligroso para un club de música y de que tampoco tengo amigos”) (2011), es un proyecto realizado junto con su padre Nedko Solakov. Sobre una serie de fotografías pertenecientes a Dimitar, su padre Nedko hace comentarios, creando un diálogo entre dos generaciones.

Las fotografías para esta instalación forman parte de la serie de Dimitar llamada “Youth” (Juventud). Esta serie retrata la vida de distintos grupos de adolescentes (amigos y conocidos suyos) y de individuos en estos grupos. Junto con estas imágenes, Dimitar incluye paisajes panorámicos y vistas de insectos, flores, animales, etc… La obra está compuesta de series individuales que forman una composición entera, cuya instalación depende de la arquitectura y del espacio expositivo. Las fotografías varían entre 20×30 cm. hasta 50×70, impresas en papel fotográfico y pinchadas directamente sobre el muro del museo. Según la instalación y dependiendo del espacio, algunas fotografías se ponen encima de otras.

. SUN XUN

Sun Xun (Funix, China, 1980) representa a una joven generación de artistas chinos que combinan lo tradicional con los nuevos medios. Sus meticulosas animaciones realizadas a mano han sido expuestas en festivales de cine de China, Francia, Alemania y en la Anthology Film Archives de Nueva York. Tras finalizar su licenciatura en la China Academy of Fine Arts en grabado, Sun Xun fundó su propio estudio de animación “π” en el año 2006. Cada animación está realizada a través de cientos de dibujos individuales, que se muestran junto con los vídeos resultantes.

La instalación “La aeronave de Ceaucescu” indaga sobre los acontecimientos que precedieron a la captura y ejecución del líder comunista rumano Ceauscescu en 1989. En una lona gigante que cubre la totalidad de las paredes de la sala, Sun Xun presenta dibujos, fotografías y frases que reabren la historia de ese país que vivió la dictadura durante 24 años. El artista con esta obra pone en duda la versión oficial de los hechos, reflexiona sobre lo sucedido y enciende un debate que ha estado silenciado durante muchos años.

La animación “21g”, por el contrario, está compuesta por dibujos hechos a mano con materiales tradicionales que después ha retocado digitalmente, para dar vida a esta obra que critica la materialidad de la cultura occidental. El artista rechaza la idea de que el alma puede pesar 21 gramos, y lo hace a través de este video de centenares de dibujos meticulosamente realizados en grafito. La banda sonora y la carga simbólica de las imágenes, hacen que el visitante se meta de lleno en este relato animado.

La obra 21g es una melancólica reflexión llena de aprensiones, cuyas imágenes atrapa al espectador con su atmósfera oscura y expresionista y su narrativa mitológica fragmentada. Sun Xun sintetiza elementos enigmáticos de obras anteriores para ofrecer una poderosa visión de un mondo roto por el desencanto, al borde de una transformación en una inquietante calma antes de la tormenta.

Al igual que la película de Alejandro González Iñárritu 21 gramos (2003), el título de Sun Xun “21G” hace referencia a la investigación de un médico americano, el Dr. Duncan MacDougall, quien afirmó, en 1970, haber medido el peso del alma mediante el registro de la pérdida del peso corporal después de la muerte. Según MacDougall, al morir el cuerpo pierde 21 gramos, que corresponde al abandono del espíritu. Si bien este absurdo cálculo materialista de lo espiritual imita la lógica del intercambio capitalista, Sun Xun parece más interesado en la idea de la pérdida espiritual.

La animación abre con una figura de un mago de pie en una playa rocosa mirando a través de un telescopio, seguido por un mapa del mundo que va cambiando, con el título “Otro mundo es como este”.

La figura del mago es recurrente en la obra de Sun Xun, fascinado por la figura de un mentiroso legal, un apreciado embaucador. En un texto, Sun Xun pone voz a este mago con la frase: “¡Hoy, soy un mago, que lleva un sombrero de copa negro y esmoquin, un profesional de la mentira!. Me gano la vida engañando. La gente está dispuesta a comprar mis mentiras. Las mentiras aquí son como drogas mentales.”. Podría pensarse en un sinnúmero de “grandes mentiras” de los gobiernos totalitarios, pero el gesto de Sun Xun parece aquí reflejar un mundo cubierto de mentiras donde los individuos son reacios a cambiar o a desafiar.

El trabajo no se presenta como una alegoría clara, sino más bien como una visión de un mundo a la deriva. A lo largo de las escenas inconexas de la película, aparece la visión de un mundo sin tiempo, donde la arquitectura neoclásica coexiste con la televisión, trenes de vapor, máquinas voladoras… Grandes insectos rondan amenazadores; seres humanos aislados; multitudes sin rumbo que nunca se hablan; extrañas máquinas voladoras que periódicamente lanzan panfletos; humos que salen de trenes, fábricas y volcanes; seres que hacen caso omiso de esta oscuridad; y entonces el mago vuelve a aparecer, sacando insectos de su chistera y una imagen final representa la plaza de Tiananmen. La animación finalmente cierra el círculo con una escena de un hombre llorando a la orilla del mar, mirando en vano hacia el distante faro. Tal vez este final incierto insinúe que ha abierto los ojos y que es consciente de la miseria.

Los crudas imágenes de este film noir contrastan con escenas de nubes blancas en el cielo, creando un resultado inquietante y enfatizado por una música llena de disonancias cromáticas que refuerza la sensación de incomodidad. Aunque Sun Xun asegura que no tiene un enfoque político, las implicaciones satíricas del gran mago son claras referencias a un país con limitada libertad de expresión, con un historia de lavado del cerebro a través de la propaganda y una población atemorizada que ha perdido buena parte de sus valores espirituales y éticos.

. TSANG KIN-WAH

Tsang Kin-Wah (Guandgond, China, 1976) se trasladó a Hong Kong en 1982. Tras graduarse en Bellas Artes en la Chinese University de Hong Kong en el 2000, recibió un máster por la Camberwell College of Arts, del Londres Institute en el año 2003 bajo la British Chevening Postgraduate Scholarship.

La obra de Tsang se centra principalmente en la investigación de específicos significados creados por la combinación de distintas palabras o frases con elegante imágenes y presentándolas como un papel pintado para cubrir y crear instalaciones específicas en el espacio expositivo. Entre estos años, ha formado parte de diversos grupos de exposiciones como “The State of Things” (National Museum of Art, Architecture and Design de Oslo), “Preview” (Fat Galerie, Paris), “30×30” (Vertigo Gallery de Londres), Hong Kong Art Biennial (2001, 2003 y 2005), “Wallpaper: Painted Patterns” (Barcelona y Madrid 2006), “White Cube” (Hong Kong, 2005) y “Space” (Shanghai, 2004), entre otras ciudades.

La originalidad de Tsang Kin-Wah radica en que desarrolla diseños con motivos vegetales o geométricos, realizados a partir de la reorganización de palabras y frases reivindicativas, e incluso hirientes. Los motivos y diseños elegidos por Tsang se basan en los diseños de papel de pared británicos de la época victoriana, inspirados a su vez en motivos chinos, reinterpretados ahora por un artista de Hong Kong.

Para entender la obra de Tsang, hay que tener en cuenta que Hong Kong fue colonia británica durante más de un siglo, re-unida a China hace una década. Esta condición ha hecho que los habitantes de la isla tengan una identidad diferenciada de la del resto de China, que conecta con las tradiciones británicas tanto como con las chinas.

La mezcla del lenguaje visual bello e intimista con el lenguaje verbal comprometido e hiriente nos hace reinterpretar la imagen que estamos viendo, y es el vehículo que Tsang utiliza para investigar, mediante la aplicación de materiales, colores, tamaños y proporciones, cómo determinados elementos afectan y cambian los efectos visuales de una misma imagen y un mismo diseño, alterando la percepción visual de la imagen al leer el texto que la compone y ajustando el contenido de un modo muy sutil.

Según palabras del artista: “El Arte no está emancipado del mundo sino que está unido a él o de alguna forma lo refleja. Al formular diferentes preguntas, y pensar en qué nos es familiar, qué ocurre a nuestro alrededor y en la legitimidad de las cosas preexistentes, las ideas, creencias, etc.… mostrando composiciones alteradas, diferentes a las existentes, y combinando y yuxtaponiendo las clásicas, formas elegantes con contenido vulgar, el espectador es empujado a re-cuestionarse la legitimidad, la autoridad y la autenticidad de las visiones e ideas existentes desde un ángulo diferente”.

Kin-Wah, comenzó a experimentar con su lenguaje artístico en 2003 realizando instalaciones específicas que cubrían toda la superficie de un espacio determinado.

“Los siete sellos” (2009-)es una serie de siete instalaciones de vídeo digital en los que utiliza textos y tecnología informática para mostrar los pensamientos de Tsang sobre distintos temas del día. Los siete sellos posee referencias de distintas fuentes como la Biblia, escatología Judeo-cristiana, existencialismo, metafísica, política, etc… Todo ello intenta articular la compleja situación del mundo y los dilemas de las personas que se enfrentan cuando se aproximan al “final del mundo”.

Palabras animadas o pequeñas frases aparecen y se mueven, flotando, a veces como un murmullo y a veces como una advertencia que revela la naturaleza de los seres humanos y los cambios de nuestras emociones. El texto recuerda temas como la guerra, terrorismo, revolución, muerte, asesinato, suicidio, autonegación, etc.

Sin un principio o un final claro, cada instalación de Los Siete Sellos crea diferentes ciclos de textos en continuos bucles que parecen repetirse sin final; haciendo eco del concepto de “eterna repetición” a través del cual todos las cuestiones y dilemas de la existencia cotidiana son vistos perpetuamente repitiéndose durante un infinito número de efímeros ejemplos.

– The Third Seal – They are already old. They don’t need to exist anymore (El tercer sello. Ya son viejos. Ya no existen) (2009)

THE PEOPLE
THE RIOT
THE THUG
THE ENEMY
THE ELITE

THE SLAVE
THE FLESH
THE BLOOD
THE FRATRICIDE
THE NEW ELITE

THE CONTRADICTION
THE ALIENATION
THE CONFLICT
THE PROBLEM

THE PERIL
THE ARROGANCE
THE SELFISHNESS
THE SPIRITUAL BONDAGE
THE UNNECESSARY GOOD
THE NECESSARY EVIL

THE GREATEST PERIL
THE LACK OF ACHIEVEMENT
THE SHIRKING WORK
THE TRANSCENDENCE
THE FUNDAMENTAL PROBLEM
THE RECOGNITION OF CLASS
THE RECOGNITION OF CLASS STRUGGLE
THE FOREIGN ENEMY ELEMENTS
THE DOMESTIC ENEMY ELEMENTS

THE REVOLUTIONARY RIOTS
THE COUNTERREVOLUTIONARY RIOTS
THE EXTREMELY SMALL SEGMENTS OF OPPORTUNISTS
THE EXTREMELY LARGE SEGMENTS OF OPPORTUNISTS

THE POSITIVE TRANSCENDENCE
THE NEGATIVE TRANSCENDENCE
THE NECESSARY TRANSCENDENCE
THE UNNECESSARY TRANSCENDENCE

THE UNNECESSARY GOOD
THE NECESSARY EVIL
THE UNNECESSARY YOU
THE NECESSARY THEM

THE COMPLICATED YOU
THE COMPLICATED THEM
THE SITUATION IS VERY COMPLICATED

THERE ARE ARMED THUGS
THERE WERE ARMED THUGS

THERE WAS NO FUTURE
THERE IS NO FUTURE

YANK YOURSELF OUT OF YOUR LIFE
YANK THEM OUT OF YOUR LIFE
YANK YOU OUT OF THEIR LIVES
YANK THEMSELVES OUT OF THEIR LIVES

CHASE AFTER YOU
CHASE AFTER THEM
CHASE AFTER YOURSELF
CHASE AFTER THEMSELVES

YOU TALK ABOUT YOURSELF, CRITICIZE YOURSELF
YOU TALK ABOUT THEM, CRITICIZE THEM
THEY TALK ABOUT YOU, CRITICIZE YOU
THEY TALK ABOUT THEMSELVES, CRITICIZE THEMSELVES

IF YOU NEED, YOU CAN BEAT THEM TO DEATH
IF THEY NEED, YOU CAN BEAT THEM TO DEATH
IF YOU NEED, THEY CAN BEAT YOU TO DEATH
IF THEY NEED, THEY CAN BEAT YOU TO DEATH

YOUR PROBLEM CONTINUES TO GROW
THEIR PROBLEMS CONTINUE TO GROW

YOU NEVER THOUGHT ABOUT WHAT WILL HAPPEN
THEY NEVER THOUGHT ABOUT WHAT HAVE HAPPENED

OVERCOME YOUR PROBLEMS
OVERCOME THEIR PROBLEMS

OVERCOME THE DOMESTIC ENEMY ELEMENTS
OVERCOME THE FOREIGN ENEMY ELEMENTS

OVERCOME THE EXTREMELY SMALL SEGMENTS OF OPPORTUNISTS
OVERCOME THE EXTREMELY LARGE SEGMENTS OF OPPORTUNISTS

OVERCOME THE COUNTERREVOLUTIONARY RIOTS
OVERCOME THE REVOLUTIONARY RIOTS

OVERCOME THE ENEMIES OF THE PEOPLE
OVERCOME THE PEOPLE

OVERCOME YOU
DESTROY YOU

OVERCOME THEM
DESTROY THEM

OVERCOME THE DEAD
DESTROY THE DEAD

OVERCOME THE EVIDENCE
DESTROY THE EVIDENCE

YOUR WORK IS USELESS
THEIR WORK IS USEFUL

YOU ARE NOT YOUR REALITY
THEY ARE YOUR REALITY

YOU ARE NOT THE REAL REALITY
THEY ARE THE REAL REALITY

YOU ARE NOT THE FUTURE
THEY ARE THE FUTURE

YOU ARE THE ARMED THUGS
THEY ARE NOT THE ARMED THUGS

YOU ARE YOUNG
THEY ARE OLD

YOU ARE ALREADY OLD
THEY ARE ALREADY YOUNG

YOU HAVE CAUSED NOTHING BUT MISERY
YOU HAVE CAUSED NOTHING BUT SILENCE
YOU HAVE CAUSED NOTHING BUT GLUTTONY
YOU HAVE CAUSED NOTHING BUT CRITICISM
YOU HAVE CAUSED NOTHING BUT CONTRADICTION
YOU HAVE CAUSED NOTHING BUT ALIENATION
YOU HAVE CAUSED NOTHING BUT THE GREATEST PERIL

THEY HAVE CAUSED NOTHING BUT MISERY
THEY HAVE CAUSED NOTHING BUT SILENCE
THEY HAVE CAUSED NOTHING BUT GLUTTONY
THEY HAVE CAUSED NOTHING BUT CRITICISM
THEY HAVE CAUSED NOTHING BUT CONTRADICTION
THEY HAVE CAUSED NOTHING BUT ALIENATION
THEY HAVE CAUSED NOTHING BUT THE GREATEST PERIL

YOU DON’T NEED TO EXIST
THEY NEED TO EXIST

YOU MUST BE DEAD TO SURVIVE
YOU MUST BE DEAD TO WORK
THEY MUST BE DEAD TO SURVIVE
THEY MUST BE DEAD TO WORK

GIVE A REASON FOR YOUR EXISTENCE
GIVE A REASON FOR THEIR CRITICISM

YOU MUST STAY DEAD TO SURVIVE
THEY MUST STAY ALIVE TO BE DEAD

DICTATORSHIP OF THE THUGS
DICTATORSHIP OF THE ENEMIES OF THE PEOPLE
DICTATORSHIP OF THE COUNTERREVOLUTIONARY RIOTS
DICTATORSHIP OF THE EXTREMELY SMALL SEGMENTS OF OPPORTUNISTS

ELIMINATION OF THE UNNECESSARY YOU
ELIMINATION OF THE NECESSARY THEM
ELIMINATION OF UNDESIRABLE YOU
ELIMINATION OF DESIRABLE THEM

STANDING ON THE LEFT
STANDING ON THE RIGHT

APPROACHING FROM FOUR CORNERS
APPROACHING FROM THE SKY

THE ORGAN FOR FIGHTING
THE ORGAN FOR POLITICAL ADVANCEMENT

THE SELF-ESTRANGEMENT OF THE SLAVE
THE SELF-ESTRANGEMENT OF THE NEW ELITE

THE REAL APPROPRIATION OF THE HUMAN ESSENCE
THE COMPLETE RETURN AS A SOCIAL NON-BEING

YOU ONLY HAVE ONE WISH
THEY ONLY HAVE ONE WISH

ARISE
ARISE
ARISE

. WONG HOY CHEONG

Wong Hoy Cheong (Penang, Malasia, 1960) es un artista contemporáneo que utiliza el vídeo y la fotografía para plantear discusiones sobre temas sociales. Su obra tiene carácter interdisciplinar, involucrando diversas áreas como el dibujo, la instalación, el teatro / performance, y vídeo. Su obra ha sido expuesta extensamente por toda Asia y Europa.

Ha sido profesor de dibujo, pintura, instalación y vídeo en The London Institute / Bandar Utama College (1994-1997), Malaysian Institue of Art (1998-1994) y la University of Massachusetts, EEUU (1984-1986).

Su serie Crónicas del Crimen es una recreación fotográfica de escenas de  famosos asesinatos en Malasia. Cuidadosamente compone sus “tableaux vivants” a menudo utilizando gente común como actores, y entonces fotografía la escena. El resultado final es una serie de impresiones digitales de blanco y negro en papel profesional Kodak.

El humor irónico y en ocasiones mordente, sus agudas percepciones sociales y políticas, junto con su ingeniosa y creativa atención en los detalles y en el atrezzo y escenario, crean un resultado que podría ser fácilmente interpretadas como fotogramas de una película de film noir, o sacada de los periódicos o tabloides. Wong, conscientemente ha empleado el estilo indirecto y enigmático de las películas de cine negro con su ausencia de violencia explícita.

Esto quizás sirve para aumentar lo misterioso de las imágenes. Enfatiza la inherente paradoja en la cultura contemporánea por una cierta fascinación por la violencia, el miedo y la conducta anti-social. A través de esta serie, Wong busca establecer la identidad malasia dentro de un lenguaje de la cultura popular globalizada, por lo que utiliza la iconografía y estética de las películas de Hollywood.

~ by lostonsite on 2 junio, 2011.

Arte, Exposiciones

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