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Cuando se coleccionan todo tipo de artes

VICTORIA AND ALBERT MUSEUM

El Museo de Victoria y Alberto (a menudo abreviado como V&A), Museo Nacional de Arte y Diseño (en inglés, The Victoria and Albert Museum, National Museum of Art and Design), es el museo más grande del mundo de artes decorativas, considerado en sí una obra de arte. Cuenta con inmensos recursos para los estudiantes de diseño ya que contiene la colección nacional de artes aplicadas.

Se creó en 1852 con el nombre de South Kensington Museum (Museo de Kensington Sur) y fue rebautizado en 1899 en honor de la reina Victoria y su esposo, Alberto. Ocupa un edificio victoriano y eduardiano. Tiene una superficie de 45.000 metros cuadrados y tiene 145 galerías. Sobrevivió a la Segunda Guerra Mundial con sólo unos daños menores causados por las bombas.

El museo tiene una amplia colección de artes decorativas europeas, hindúes, chinas, coreanas, japonesas e islámicas, con cerca de cuatro millones de objetos. En sus galerías presenta escultura, piezas de cristal, joyería, armaduras, armas, vestimentas, instrumentos musicales, cerámica, arquitectura, muebles, y muchas otras piezas.

La colección de pinturas y dibujos contiene unas dos mil óleos obras británicas y europeas; acuarelas británicas, al pastel y miniaturas, siendo el Museo Nacional de estas técnicas. Están representados artistas del Reino Unido del siglo XIX, como John Constable y J.M.W. Turner con óleos, acuarelas y dibujos.

El museo alberga la Biblioteca Nacional de Arte, cuyo tesoro principal es el Codex Forster, formado por notas de Leonardo da Vinci.

La colección del museo está estructurada en cuatro grandes secciones: Asia, Europa, Edad Moderna y Materiales y Técnicas. A su vez estas secciones están divididas en diferentes departamentos.

I. ASIA:

La sección de Asia está dividida en: China, Oriente Medio, Japón, Corea, Escultura, Sur de Asia y Sureste asiático. En total posee más de 160.000 piezas de arte, siendo una de las más grandes.

– China:

El arte chino está representado por la galería T. T. Tsui, con unos 16.000 objetos procedentes de China, en un periodo que comprende entre el IV milenio a. C. hasta nuestros días. Destaca la colección de objetos pertenecientes a la dinastía Ming y a la dinastía Qing.

. Bodhisattva Gaunyin. Escultura. Madera policromada. Región Shanxi. Año 1200.

Esta elegante y serena escultura retrata a Guanyin, uno de los Bodhisattvas más populares, cuyo nombre literalmente significa “el que siempre oye sonidos”.

Conocido en China como “el compasivo Bodhisattva”, que escucha cada plegaria, Guanyin era a menudo situado detrás de la imagen del Buda principal dentro de un templo.

La escultura fue casi con seguridad realizado para el templo de Shaanxi, provincia en el norte de China. El altar de esta figura probablemente tendría forma de gruta, relacionándose con el trono de rocas en el que se sienta.

La importancia de la escultura reside en su hermoso tallado y en la bella decoración superficial.

– Oriente Medio:

El V&A contiene un total de 19.000 piezas del arte musulmán procedente del Oriente Medio, desde el siglo VII hasta principios del siglo XX. Junto a estas piezas también se exhiben piezas de arte musulmán procedentes de España, Norte de África, Asia central y Afghanistán.  La colección de alfombras persas es una de las más importantes de todo el mundo.

. Alfombra Ardabil. Región de Irán. Año 1539-1540.

La alfombra Ardabil es una de las más grandes y bellas alfombras del arte musulmán. Además tiene una gran importancia histórica. Fue encargada por el Shah Tahmasp, de Irán, para el santuario de su antepasado Shaykh Safi al-Din, en la ciudad de Ardabil en el noroeste de Irán.

En un pequeña inscripción en uno de los extremos se detalla la fecha en la que fue terminada, el año 946 del calendario musulmán, equivalente al año 1539-1540. El texto incluye además el nombre de quien la fabricó, Maqsud Kashani.

La alfombra es extraordinaria por la belleza de sus diseño y ejecución. Posee seda blanca de trama y urdimbre, mientras que el diseño está hecho con lana de diez colores distintos.

– Japón:

La galería del arte japonés se abrió en diciembre de 1986. La mayoría de los objetos expuestos pertenecen a un periodo comprendido entre 1550 y 1900. Algunas de las piezas más notables de la colección es el conjunto de armaduras clásicas de mediados del siglo XIX, katanas, cerámicas de Imari, Netsuke, grabados incluyendo obras de Ando Hiroshige, kimonos, etc…

. Traje de Armadura. Japon. Año 1741

Este traje de armadura está realizado de hierro, aleación de cobre y oro, aleación de copre y plata, cuero y piel de oso. Fue realizado y decorado en 1741 por Haruta Tamba para la familia Akita, terrateniente feudal o daimyo del feudo de Miharu en la provincia de Mitsu, al norte de Japón.

La armadura fue confeccionada en el estilo do-maru, con el cuerpo central realizado en una sóla pieza abrochada en la parte derecha, mientras que las protecciones de los hombros son más características del estilo oyoroi.

El penacho, de dorado de cobre, representa la insignia heráldica (jomon) de la familia Akita, el abanico de una mujer de la corte y dos plumas de un halcón. Este escudo se repite en miniatura en muchas otras partes del traje junto con otros elegantes motivos decorativos de metal. El segundo escudo de la familia Akita, un medallón con un león y una peonía, aparece en shibuichi (aleación de plata y cobre, también llamada vellón) en las alas del casco y en las protecciones de las manos.

– Corea:

La colección de objetos procedentes de Corea está comprendida de cerámicas, brocados de seda, brillantes cajas con incrustaciones de madreperla, etc…

. Caja. Corea (1700-1800)

Las caras y la tapa de esta caja lacada están decoradas con un motivo vegetal de la flor de loto mediante incrustaciones de madreperla. Las flores en el panel frontal y en la tapa aparecen unidas a un pequeño florero hecho con el caparazón de una tortuga, mediante un tallo hecho con un alambre de latón. La caja  pertenece a la dinastía Choson (1392 – 1910), siendo su fecha más probable el siglo XVIII.

Durante el periodo Choson, el lacado fue utilizado predominantemente en cajas y muebles, como en arcones, mesas bajas, estuches de cosméticos, cajas para guardar documentos, etc… Muchas presentaban incrustaciones de nácar o madreperla, caparazones de tortugas y a veces piel de zapa. En general, los motivos decorativos suelen ser más robustos que los del periodo anterior Koryo (918 – 1392) que se caracterizaron por sus elegantes diseños florales con delicados engarces de nácar.

– Escultura:

La galería de la Fundación de la Familia Robert H. N. Ho está compuesta por diversas esculturas budistas procedentes de diferentes países asiáticos.

. Figura de Luohan. Madera. China. Año 1300 – 1400.

Esta escultura de madera representa un Luohan, el nombre que designa a un monje que actúa como guardia del budismo y de quien se cree que ha alcanzado la iluminación a través del mérito y la virtud. El Luohan fue un miembro del panteón budista en China, y sus primeras representaciones pueden datarse del siglo IV d. C. Estas figuras eran normalmente colocadas en grupos cerca de los templos de Buda y de los monasterios. Con el paso del tiempo, los retratos de Luohan evolucionaron de piezas individualizadas a retratos más formalizados. El uso de estas imágenes fue fomentado por las sectas budistas Chan (Zen), que subrayaban la importancia de tener un profesor religioso y la interacción entre el maestro y el alumno.

El estilo de esta figura sugiere que procede del norte de China donde muchos talleres sobresalieron en la escultura de madera tallada y pintada. La apreciación de la escultura china en Europa se desarrolló junto con un gran entusiasmo por la primitiva cerámica china. Esto provocó que durante las décadas de 1920 y 1930, las coleccionistas europeos se interesasen por comprar algunos excepcionales ejemplos, como este Luohan.

– Sur de Asia:

La Colección Nehru de arte de la India, abrió en 1991, ofreciendo numerosas piezas de gran valor y comprendiendo un rango que va desde el año 500 a. C. hasta el siglo XIX. Se caracteriza por su gran colección de escultura, preferentemente de naturaleza religiosa.

. Tigre de Tipu. Órgano mecánico – Autómata. Región de Mysore (1793)

El “Tigre de Tippoo” fue realizado para el Sultán Tipu, jefe de Mysore en el Sur de India (1782 – 1799). La pieza de madera casi a tamaño real, representa a un tigre atacando a una figura con ropas europeas.  Un órgano se oculta en el cuerpo del tigre, y cuando se gira el asa de un lado, el órgano puede ser tocado y simultáneamente el brazo del hombre se mueve arriba y abajo.

Esta pieza fue descubierta por los británicos en el palacio de la capital del sultán Tipu, tras el Asedio de Seringapatam en 1799. El ejército invasor consiguió asaltar la ciudad a través de una brecha en las murallas, provocando el caos y la matanza de Tipu, un gran número de sus soldados y ciudadanos de la ciudad. Las tropas victoriosas arrasaron la ciudad, saqueando el palacio y las casas privadas, hasta que el Coronel Arthur Wellesley (futuro Duque de Wellington) dio una orden de flagelar o ahorcar a quien realizase estos actos, consiguiendo restaurar el orden. Los contenidos del tesoro real fueron valorados y divididos entre el ejército británico, como era tradicional en aquella época. Algún tiempo después, el tigre fue descubierto en la sala de la música del palacio y fue enviado a Londres, donde llegó en el año 1800. Fue enviado al antiguo Museo de India, convirtiéndose en la pieza más popular. Algunas piezas de este museo fueron transferidas, terminando a formar parte de la colección del Victoria and Albert Museum.

– Sureste asiático:

Junto con la sección del Sureste Asiático, el museo presenta también arte de los reinos del Himalaya. Este arte tibetano de los siglos XIV hasta el XIX, se centra en importantes esculturas de bronce de Nepal y esculturas religiosas en madera y bronce. El arte de Tailandia, Camboya, Indonesia y Sri Lanka con piezas en oro, plata, bronce, piedra, cerámica y marfil evidencia la riqueza y complejidad de estas culturas.

. Bhairava. Región del Nepal. Siglo XVII

Bhairava, la manifestación más terrible de Shivá, está representado en cobre repujado con dorados y pintura y piedras preciosas encastradas, como turquesas, cristal de roca y también piedras semipreciosas. La imagen aparece decorada con calaveras, serpientes en sus pendientes y en su collar y con su pelo que se levanta en una llama como nimbu. Por su gran escala, esta pieza estaba destinada a la adoración pública. En la boca presenta una pequeña obertura a través de la cual se vertían líquidos sagrados para el beneficio de los devotos. El culto de Bhairava está muy extendido en Nepal.

II. EUROPA:

La sección de Europa está dividida en diversas galerías, exponiendo gran cantidad de artes decorativas de toda Europa y abarcando un periodo muy extenso.

– Galerías Británicas (1500 – 1760):

Las piezas pertenecientes a este periodo están encuadrados dentro de la época Tudor y Estuardo de Gran Bretaña. Así pues, están representados los estilos renacentistas, isabelino, jacobino, la Restauración inglesa, barroco.

En estas galerías no sólo se muestran las obras de los artistas británicos, sino que también aparecen obras producidos por artistas europeos que fueron compradas o encargadas por clientes británicos, al igual que importaciones de Asia, como porcelanas, tejidos o papel pintado.

. Hans Vredeman de Vries – Gran Cama de Ware. Roble, tallado y originalmente pintado, con paneles de marquetería. 1590-1600

La cama está tallada en el estilo típico de la década de 1590, pero destaca por su gran tamaño, midiendo 3,26 metros de ancho. La altura fue ligeramente reducida en el siglo XIX. Las figuras humanas que están talladas en la cabecera originalmente habrían sido pintadas con colores vivos.

La cama probablemente fue realizada para atraer clientes a una de las posadas en Ware, Hertfordshire. Ware está a 22 millas de Londres, es decir, se encontraba a un día en caballo o carroza, por lo que la ciudad tenía muchas posadas en el siglo XVI.

La cama se hizo famosa desde que se realizó. William Shakespeare la mencionó en su obra Noche de Reyes, estrenada en el año 1601. El dramaturgo contemporáneo Ben Johnson también hizo referencia a “la gran cama de Ware” en una obra de 1609. Los visitantes a veces tallaron sus iniciales en la cama o pusieron sellos al cuño con cera roja, que aún son visibles en algunas partes de los postes de la cama y del cabecero.

– Galerías Británicas (1760 – 1900):

Este periodo engloba la época georgiana, representada por diversos estilos como el Palladianismo, Rococó, neoclasicismo, neogótico, y la época victoriana, con lo estilos como el esteticismo, el movimiento Arts and Crafts, etc…

. William Burges – Jarra de vino (1865-1866)

El arquitecto y diseñador William Burges (1827-1881) diseñó diversas licoreras (recipientes decorativos para servir el vino en la mesa). Entre éstas, diseñó dos para su propio uso en su casa Tower House, en Kensington, Londres, como se muestran en fotografías de la época. Burges se inspiró en el arte de China, Asiria, antigua Grecia y Roma, y la Europa medieval, para este diseño. Esta jarra fue realizada junto con una copa que el comerciante James Nicholson le encargó en 1863.

– Reproducciones:

Las Reproducciones se disponen en los llamados Cast Courts, dos enormes estancias; el West Court, que predominantemente aparecen reproducciones del norte de Europa, escultura de España, y la Columna de Trajano, y el East Court, con reproducciones de monumentos italianos.

Esta colección contiene reproducciones de las más famosas esculturas del mundo. Muchas de estas copias se realizaron en el siglo XIX, y en muchos casos, presentan un mejor estado de conservación que los originales, expuestos a la polución del siglo XX.

Algunas de las reproducciones más importantes son la Columna de Trajano de Roma, El Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela, las Puertas del Paraíso del Baptisterio de Florencia, el púlpito de la Catedral de Pisa, etc…

. Columna de Trajano.

La reproducción de la Columna de Trajano está dividida en dos partes iguales para que se acomodase al espacio de la sala. La columna original está en Roma y posee unos 30 metros de altura y una escalera interna que conduce a una plataforma en la parte más alta. La reproducción es del gran pedestal y de toda la columna pero excluye la plataforma.

Los frisos del pedestal y de la columna ilustran la conquista de Dacia por el emperador romano Trajano. La columna fue reproducida en pequeñas partes que se fueron ensamblando en una estructura de ladrillo. Al igual que la original, existe una puerta en el pedestal que permite el acceso al interior, pero en la reproducción no existe la escalera interior.

– Europa (1600 – 1800)

Esta sección muestra algunos de los objetos más suntuosos coleccionados a lo largo de dos siglos. Comienza con algunos objetos de los Kunstkammer, (Gabinete de Curiosidades) del siglo XVII, explorando el arte barroco en Francia, Italia y España, un periodo en el que se refleja las ideas de la Contrarreforma.  Continúa con el arte de estilo Rococó y Neoclásico de Europa del siglo XVIII.

. Gian Lorenzo Bernini – Maqueta del Papa Alejandro VII. 1669-1670

Se trata de un estudio preliminar para la escultura en mármol del Papa Alejandro VII que se erigió para su tumba en la Basílica de San Pedro en Roma. Alejandro VII encargó este monumento a Bernini para la Basílica de San Pedro, pero su sucesor, Clemente IX, quiso situarla en Santa Maria Maggiore. Sin embargo, tras la muerte de Clemente IX, su sucesor, Clemente X, revocó estos planes y decidió situarla en su lugar original.

La maqueta, que representa al Papa arrodillado sobre un cojín en actitud de oración y con su tiara papal bajo la holgada capa, es una obra firmada por Bernini. Se ajusta con relativa exactitud al monumento final, y se relaciona también con uno de los dibujos de la tumba que realizó como primera propuesta del monumento. La maqueta a escala real de madera y arcilla fue terminada en 1672, cuando Bernini recibió su pago final, pero el monumento de mármol definitivo no fue terminado hasta 1678. Bernini delegó la talla en mármol de la tumba en sus asistentes, realizando este trabajo entre 1672 y 1678.

Este modelo revela mucho sobre los métodos de trabajo de Bernini. Modelaba primero la cabeza separada del cuerpo, por lo que podía experimentar con  su inclinación antes de posicionarla en el cuerpo. Además muestra marcas de las herramientas usadas e incluso trazas del pulgar y las huellas dactilares, indicando cómo el artista estaba trabajando sobre sus ideas.

– Europa y América (1800 – 1900):

La galería de Europa y Amércia incluye muebles, cerámicas, vidrios, cuadros, libros y escultura de todo el siglo XIX. Tras la Revolución Industrial, apareció el crecimiento del comercio internacional, surgiendo grandes exposiciones internacionales en la última parte del siglo. Muchos objetos de la colección pertenecen a esas grandes exposiciones internacionales como la que se celebró en París en el año 1900.

. Henri-Auguste Fourdinois – Gabinete (1861-1867)

La firma de Fourdinois exhibió por primera vez este gabinete en la Exposición Universal de Paris en 1867. Muchos comentarios lo aclamaron como la obra maestra de la exposición, siendo galardonado con el Grand Prix. El Museo lo adquirió por 2.750 libras, un precio mucho más alto que el que habían pagado los conservadores por otras piezas antiguas. Lo que les atrajo fue su excepcional artesanía, esperando que inspirase a los diseñadores británicos. Los artesanos de este gabinete utilizaron un nuevo tipo de taracea, además de tallar la madera de forma excepcional.

– Arte medieval y renacentista:

La colección de arte medieval y renacentista forma un núcleo importante dentro del museo.

1) Arte medieval del 300 – 1500: Las piezas más antiguas, pertenecientes al arte de la Edad Media, se centran en objetos religiosos, en un periodo que abarca desde el año 300 hasta el 1250. El arte cristiano se fue desarrollando dentro del extinto Imperio Romano. Los primeros gobernantes medievales, al igual que Carlomagno, revisaron las formas y valores del arte romano.

Hacia el año 1000, el creciente poder de la iglesia cristiana encontró una expresión visual en las magníficas iglesias y abadías que dominaban el paisaje. El desarrollo del estilo Gótico se puso de manifiesto en un amplio contexto social y cultural. Aunque se inició en Francia, el estilo Gótico fue rápidamente adoptado en la mayor parte de Europa. Los conceptos de caballería y heráldica se desarrolló durante este periodo.

. El relicario de Becket. Región de Limoges. Año 1180-1190

El asesinato del Arzobispo de Canterbury, Thomas Becket, en la Catedral de Canterbury el 29 de diciembre de 1170 por cuatro caballeros al servicio del rey Enrique II, es uno de los pocos episodios de la historia británica medieval que es aún bastante conocida. Este hecho provocó un gran escándalo por toda Europa, y la tumba de Becket se convirtió en un lugar de peregrinaje en los días después de su muerte. Fue canonizado tras años después, en 1173 y su santuario fue uno de los más famosos en el mundo cristiano, hasta su total destrucción en 1538 por orden del rey Enrique VIII.

Las reliquias de Becket eran muy demandadas y a menudo eran custodiadas en elaborados relicarios. Muchos de éstos se han conservado hasta nuestros días, dispersos por todo el mundo. La mayoría fueron realizados en esmalte de Limoges, como el conservado en el V&A. Este ejemplar es uno de los más elaborados y grandes, siendo además uno de los primeros relicarios realizados. Este magnífico ejemplar del arte románico, fue probablemente hecho para un importante centro religioso.

El cofre muestra el asesinato de Becket, su enterramiento, y la asunción de su alma al cielo. Las figuras en la parte posterior pueden representar las Virtudes Cardinales.

2) La ciudad renacentista: Arte renacentista 1350 – 1600: Durante el periodo renacentista se realizaron obras de gran tamaño para decorar la parte exterior de los Palacios, creando un paisaje urbano, y obras de escala más doméstica para decorar los interiores y los jardines. Las iglesias también se decoraron con importantes obras, mediante altares, vidrieras coros, etc…

. Juan de Bolonia – Samsón matando a un filisteo (1560-1562)

En la estatua aparece Samsón con la quijada de un asno matando a un filisteo que se había burlado de él. Es el primer ejemplo de su serie de mármol realizado por Juan de Bolonia (también llamado Giambologna), y una de las pocas obras importantes del artista fuera de Italia. Fue encargada por Francesco de Medici para decorar una fuente en Florencia. En 1601 la fuente fue enviada a España como regalo al Duque de Lerma, válido del rey Felipe III, por parte Fernando I de Médici, Gran Duque de Toscana. El conjunto escultórico fue donado a Carlos I de Inglaterra durante su visita a España en 1623.

Esta escultura es un buen ejemplo de los múltiples puntos de vista en la obra de Juan de Bolonia; el movimiento en espiral de los cuerpos significa que no hay un sólo punto de vista. Esto contrasta con la obra del posterior Bernini, cuyas obras monumentales casi invariablemente poseen un sólo punto de vista. A pesar de que el mármol ha soportado tres siglos al aire libre, el sensible arte de Juan de Bolonia aún se percibe.

3) Esplendor y sociedad: Arte renacentista (1500-1600): El esplendor de la corte renacentista hizo que apareciesen muchos objetos de lujo para decorar los interiores domésticos, como joyas, muebles, armaduras… Además, en este periodo, debido al intercambio de objetos con Oriente, Europa comienza a importar y a imitar técnicas procedentes del arte musulmán o chino.

. The Burghley Nef (1527-1528)

La pieza The Brughley Nef es un salero con forma de barco medieval, cuyo casco está hecho con la concha de un nautilo. Como elementos decorativos aparece una popa almenada que encierra un salero separable, tres mástiles con vigía, dos de las cuales aparecen adornado con una guirnalda de perlas. Todo el barco se asienta sobre la espalda de una sirena que se apoya en una base hexagonal decorada con ondulantes olas.

– Escultura (1300 – 1600):

En esta sección se exponen escultura procedente de Alemania, Holanda, Francia, Italia, España e Inglaterra, en periodo comprendido entre 1300 y 1600. Destaca especialmente la escultura religiosa de este periodo, puesto que la imaginería religiosa se encontraba por toda Europa, en catedrales, parroquias y monasterios, pero también en el hogar y en la calle. Las esculturas eran diseñadas específicamente para tener una apariencia tridimensional y a tamaño real, para evocar la presencia de Cristo, la Virgen y los Santos en la vida cotidiana. La mayoría de las piezas expuestas son de madera policromada.

. Andrea della Robbia – Cristo muerto ante la Virgen San Juan y Santa María Magdalena (1510-1515)

La figura de Cristo muerto está soportado por la Virgen y San Juan el Evangelista, con Santa María Magdalena. El grupo se realizó en cinco piezas. La figura de Cristo, con las manos de San Juan y la Virgen unidas, fue cortado en dos para que pudiese entrar en el horno para ser cocida. La figura de Magdalena se rompió durante la cocción original, probablemente debido al aire atrapado en la arcilla que se expandió cuando se calentó.

– Los cartones de Rafael:

El museo posee una importante colección de los cartones que Rafael pintó para los tapices que le fueron encargados en Roma en 1515 por el Papa León X. Estos tapices estaban destinados a ser colgados en la capilla Sixtina en las paredes bajo el techo de Miguel Ángel. Aunque originalmente estos cartones fueron creados para guiar a los tejedores, se trata de un gran tesoro artístico que pasó a pertenecer a la Corona Real Británica en 1623.

. Rafael – San Pablo predicando en Atenas (1515-1516)

Los tapices que fueron encargados a Rafael describían escenas de la vida de San Pedro y San Pablo, los padres de la Iglesia Cristiana, y las fuentes de la autoridad papal. En este cartón, Pablo predica ante la  asamblea de Areópago, el consejo judicial de Atenas. Su sermón estaba específicamente dirigido a los Gentiles, y el tema enfatiza su papel principal de predicarles. Además también se trata el tema de la idolatría al representar algunos oyentes delante de una estatua pagana.

III. EDAD MODERNA

– Siglo XX:

La colección de objetos del siglo XX retratan los movimientos del internacionalismo y del modernismo. Entre 1900 y 1920, se debatió intensamente sobre los apropiados usos de la producción mecánica. Más adelante, el movimiento Modernista, entre 1920 y 1945 se caracterizó  por el compromiso de las técnicas industriales y materiales y la creencia en el poder reformador del arte.

. Peter Ghyczy – Egg Chair (Silla huevo) 1968

El diseñador húngaro Peter Ghyczy creó esta silla en 1968 mientras trabajaba para una fábrica de poliuretano, Elastorgan GmbH, en Lemförde, Alemania. Explotó todas las posibilidades de los materiales que se manufacturaban en la fábrica, con el casco moldado enteramente de poliuretano. La silla estaba destinada para ser usada en el jardín, y la tapa plegable permitía proteger la tapicería del mal tiempo cuando no se utilizaba.

El fabricante de Alemania Occidental autorizó la producción a una compañía de Alemania Oriental, la VEB Synthesewerk Schwarzheide, cerca de Senftenberg. Fue producido en grandes cantidades en tan sólo tres años porque el lacado del casco seguía siendo problemático y, con un precio de 430 marcos, era demasiado cara para el mercado de Alemania Oriental. La pieza conservada en el museo fue producida el 9 de junio de 1971, como un prototipo realizado en Alemania Occidental antes de que se firmase la licencia para la manufactura en Alemania Oriental.

 

IV. MATERIALES Y TÉCNICAS:

– Arquitectura:

La galería de arquitectura muestra lo más destacado de la colección perteneciente al museo V&A y la RIBA (Royal Institute of British Architects). Esta colección comprende maquetas, fotografías, elementos de edificios, dibujos originales… Con ello se analizan edificios de todo el planeta y lo que hay detrás de su diseño. Se desarrollan distintos temas como la función de los edificios y su respuesta al clima, el arte de la arquitectura y los variables estilos arquitectónicos, materiales y estructuras y cómo los edificios están hechos, y finalmente qué ocurre cuando los edificios se juntan para crear ciudades.

. Maqueta basada en el Templete de San Pietro in Montorio en Roma (1830-1900)

Más que ningún otro arquitecto, Donato Bramante (1444-1514) fue el responsable del restablecimiento del uso de las proporciones clásicas y la “gramática” de los edificios de la Antigua Roma. La pequeña iglesia, llamada Tempietto de San Pietro in Montorio, Roma, fue diseñado por él en 1502 o posteriormente. El primer edificio del Alto Renacimiento se acerca más al espíritu de la Antigüedad que ningún otro edificio. Como tal, se ha convertido en un icono arquitectónico, célebre por sus rigurosas proporciones y simetría, características del Renacimiento, pero vistas en una forma particularmente armoniosas en el Templete.

Fue encargado en 1502 por el rey Fernando y la Reina Isabel la Católica, y marca el lugar de la colina Janiculum, al oeste de Roma, donde supuestamente San Pedro fue martirizado. Bramante trabajó en este proyecto durante un periodo de años y se cree que fue completado en 1512.

Esta maqueta, hecha de madera de nuez y peral, se cree que es del siglo XIX. Las maquetas de arquitectura de este tipo eran utilizados normalmente como material docente. Se registraba información detallada de los edificios del pasado como enseñanza para proyectar edificios en el futuro. Esta maqueta en particular difiere en algunos detalles del proyecto original de Bramante y pudo haber sido realizado para un edificio que homenajeaba al edificio original.

– Cerámicas:

La colección muestra piezas de porcelana y cerámica de Europa, Oriente Próximo y Asia Oriental. Las porcelanas pertenecen a las mejores manufacturas europeas como Meissen, Royel Copenhagen, Sèvres o Royal Worcester.

. Pablo Picasso – Cerámica Artista en su caballete (1954)

Esta jarra fue diseñada por Pablo Picasso para la cerámica Madoura en Vallauris, 1954. Consta de un cuerpo ovoide de barro, coronado con un anillo que sirve de asa y rematado con un pequeño cuello. Decorado con dos vistas de un artista en su caballete con una modelo de pie, y de un escultor modelando una figura. La pieza fue torneada y pintada a mano.

  

– Vidrio Contemporáneo:

Las piezas de vidrio de esta sección muestran vidrios de reciente creación por artistas internacionales. Para mantener este carácter contemporáneo, la muestra va cambiando a medida que nuevas obras entran en la colección permanente.

. Richard Marquis – Marquiscarpa (2003)

La taza muestra una forma de cuenco estrecha y alargada. Realizada con la técnica millefiori (con cañas cortadas) cada una con un centro opaco y claro, rodeado de rayas en amarillo, azul, rojo, etc. El vaso muestra un gran tamaño, midiendo 36,5 centímetros de alto y unos 51,5 centímetros de ancho. La pieza se realizó en Whidbey Island, Estados Unidos.

– Muebles:

La colección de muebles abarca a Gran Bretaña, Europa y América desde la Edad Media hasta la actualidad. La colección contiene unos 14.o00 objetos que incluyen salas completamente amuebladas, recreando la vida social del lugar y a la época correspondiente, incluyendo instrumentos musicales, relojes…

. Joseph Baumhauer – Cómoda. París (1755-1758)

Príncipes y aristócratas de Europa habían coleccionado piezas lacadas procedentes de Japón con gran entusiasmo desde el siglo XVII. Para la década de 1750, las habilidades necesarias para darles otra forma a los paneles y crear objetos más acordes a la moda europea, se habían desarrollado considerablemente, especialmente en París. La producción de estas piezas estaban controladas por los comerciantes, que eran por lo general más ricos que los artesanos que producían tales objetos. Baumhauer fue uno de los muchos artesanos procedente de Alemania que se estableció en París, atraído por las oportunidades que ofrecía dicha ciudad y por la fuerza del mercado de lujo. Fabricó numerosas cómodas con un mismo diseño, algunos de los cuales fueron vendidos por el comerciante François-Charles Darnault. La fluida decoración rococó está moldeada con naturalistas flores entre sinuosos rollos, creando uno de los más grandes muebles de laca del periodo rococó.

– Vidrio:

La exposición de vidrio ilustra perfectamente toda su historia desde los antiguos tiempos hasta la actualidad. Incluyendo vidrios de arte musulmán, británico y europeo entre otros, también aparece una selección para ilustrar diversas técnicas como la holandesa con grabado de punta de diamante.

. Vasos. Amsterdam. Año 1600-1625.

Este conjunto de vasos pertenecen muy probablemente a la fábrica de vidrio de Amsterdam en Keizersgacht, del siglo XVII. Los vasos presentan filigranas de color rojo, azul y blanco.

– Oro, Plata y Mosaicos:

La plata de la colección es diversa, tanto en términos cronológicos y geográficos, como en términos estilísticos. La plata y el oro de finales del siglo XV hasta los siglos XIX de Gran Bretaña, Europa y la India forman el núcleo central de la colección, que incluye objetos tan dispares como cucharas de té hasta puertas de un monasterio.

La plata del siglo XVIII en Inglaterra no sólo proporciona una amplia visión del desarrollo de los estilos y de la técnica en la platería de Europa a lo largo de los siglos, sino que presenta la obra de importantes artesanos de la plata como el platero Hugonote Paul de Lamerie (1688-1751) y Paul Storr (1771-1844).

Alrededor de 200 cajas de oro se conservan en el museo, muchas de las cuales eran utilizadas como contenedores del rapé, una forma de tabaco en polvo y perfumado que estuvo de moda en toda la Europa del siglo XVIII. Algunas de estas cajas pertenecieron a reyes y emperadores como Luis XV y Napoleón.

. Caja de rapé con flores (1765)

Esta caja forma parte de un grupo de cajitas de rapé asociadas a Federico II el Grande, de Prusia. Destaca por su tamaño y su lujosa decoración. Federico era un cultivado admirador de las artes. Mantuvo una prolongada, y en algunas ocasiones acalorada, correspondencia con el filósofo francés Voltaire, era un talentoso músico, compositor y lingüista. Tenía pasión por las cajas de oro, y mostraba un entusiasta interés en su diseño. Siempre llevaba una caja consigo, incluso se dijo que había salvado la vida gracias a esto, desviando una bala durante la batalla de Kunersdorf en 1759.

Esta caja de rapé es una de las más llamativas de su colección, ricamente decorada con ornamentos ondulantes de estilo rococó, realizado con piedras duras y con diamantes.

. Paul Barbot – Caja de rapé (1775).

Muchas de los artesanos de cajas de rapé de Londres eran inmigrantes o de familias inmigrantes que trajeron las técnicas y los diseños del resto de Europa al mercado británico. Goerge Michael Moser (1706-1783), nacido en Suiza, fue uno de las figuras más importantes del mundo del arte en Londres.

La caja de rapé presenta un diseño ovalado con una representación del Amor superando la fuerza, bordeadas por una corona de laurel. Los laterales están adornados con rosetas con lazos y flores entrelazadas.

– Obras de hierro:

La colección de obras de hierro es una de las más grandes del museo, proporcionando un destacado conjunto de obras decorativas en hierro forjado y fundido. Es enormemente diversa, desde llaves y cerraduras, hasta grandes piezas de arquitectura, desde una silla plegable bizantina hasta un banco del artista contemporáneo Albert Paley.

. Señal de una posada

– Joyería:

Unas 3000 piezas conforman la colección de joyas del museo, desde la Antigua Grecia hasta la actualidad. La colección explora como las hoyas no sólo se han situado en el centro de la moda, sino que también han sido parte de las emociones humanas más profundas.

. Philippe Wolfers – Adorno del pelo (1905-1907)

Philippe Wolfers fue uno de los más prestigiosos joyeros del Art Nouveau, activo en Bruselas. Al igual que su contemporáneo René Lalique, estuvo muy influenciado por el mundo natural. Estas exóticas orquídeas son características en la obra de ambos. La ejecución técnica de esmaltado en plique-a-jour  (sin respaldo), sobre superficies ondulantes es impresionantes. Las orquídeas simbolizaron el Art Nouveau y su fascinación por la naturaleza, sensualidad y flores exóticas.

– Frescos de Leighton:

Encargados en 1868 como parte de la decoración del nuevo Museo al famoso pintor victoriano Lord Frederic Leighton, estos frescos representaron el “Artes de Industria aplicados a la Guerra” y “Artes de Industria aplicados a la Paz”. También se exponen los primeros bocetos de Leighton y cartones a tamaño natural.

– Trabajo en metal:

Esta sección se divide en dos apartados: latón y estaño. La exposición de latón se centra en candelabros que reflejan los cambios de estilo a través de 350 años en Europa, junto con platos que ilustran las tradiciones de Alemania frente al grabado de Italia. Con ello se muestra las posibilidades del metal y su versatilidad.

La exposición de estaño incluye muchos objetos que muestran claros signos de uso procedentes de hogares, tabernas o iglesias. Las piezas creadas para conmemorar eventos reales se han conservado en mejores condiciones.

. Nelson Ethelred Dawson – Grifo (1900)

Esta unidad de grifo fue instalado en Greenlands, una casa de campo cerca de Henley-on-Thames, Oxforshire. El propietario fue William Frederick Danvers Smith, primer Vizconde de Hambledon. Era socio de la firma W. H. Smith & Sons, y encargó este diseño a Nelson Dawson (1859-1942), quien también proporcionó otros diseños a la compañía.

– Pinturas:

Las galerías de Edwin y Susan Davis proporcionan una visión única del gusto victoriano. Él recopiló una elegante colección de arte con un total de 80 pinturas, incluyendo retratos renacentistas de Botticelli y Tintoretto, y obras pre-rafaelitas de Burne-Jones y Rossetti.

. Rembrandt – Abraham despidiendo a Agar e Ismael (1640)

Rembrandt van Rijn (1606 – 1669) fue un pintor holandés, dibujante y grabador. Su nombre es prácticamente sinónimo del período conocido como Edad de Oro holandés. Creó grandes escuelas en Leiden y después en Amsterdam, y fue muy imitado en su propio tiempo y en los siglos posteriores.

La pintura fue descrita en el siglo XVIII como Abraham despidiendo Agar e Ismael, pero desde el año 1966 ha sido identificado como la Partida de la mujer Sunamita, sugiriendo que la mujer en el burro representa a quien, tras la muerte de su hijo, fue al profeta Elíseo para pedirle ayuda (2, Reyes, 4, 24). Otro examen de la pintura en años posteriores de los estudiosos concordaron que la atribución anterior era la correcta. El cuadro y la composición es más cercano a las escenas de Abraham despidiendo a Agar e Ismael, y se aproxima a los bocetos que Rembrandt hizo de este tema, firmados y datados en 1637.

La historia de Agar se encuentra en el Génesis, capítulos 16 y 21. En Génesis 16:2-3 se describe como Agar era una sirviente egipcia que estaba bajo el mando de Sara, esposa de Abraham. Sara era estéril, por lo que dio Agar a su marido para “que fuese su mujer”, y él pudiese tener niños. Agar dio a luz a un hijo, Ismael. Catorce años después, Dios otorgó a Sara un niño, llamado Isaac. Según el Génesis, Dios ordenó a Abraham obedecer los deseos de Sara y expulsar Agar e Ismael al desierto solos. Levantándose pronto por la mañana, por tanto, Abraham cogió pan y un poco de agua y envió a su antigua consorte Agar y a su hijo Ismael fuera. El texto bíblico sugiere que Ismael tendría unos 13 años cuando Sara dio a luz a Isaac y desterró a Agar y su hijo. El niño se acerca más a esa edad que a un sirviente de la mujer Sunamita del Libro de los Reyes. Además, una botella de agua cuelga de la montura recordando un elemento que aparece en el pasaje.

Un estudio de rayos X ha demostrado que el cuadro ha sido muy retocado en el paisaje y el fondo, y que el arco es una añadidura posterior. Tal vez, originalmente se trataba de una escena diurna, que más tarde se transformó en la curiosa iluminación focal que se puede apreciar hoy en día. La presencia del carcaj con flechas en la cadera del niño encaja con la historia de Ismael quien “creció en el desierto y se convirtió en un experto con el arco” (Génesis, 21, 20).

. Dante Gabriel Rossetti – Sueño de día (1880)

La modelo para este cuadro fue Jane Morris, la esposa de Williams Morris, que a menudo posaba para Rossetti. En ese momento, este cuadro fue pintado cuando Rossetti estaba involucrado en un amor ilícito con Jane. Él la retrata sentada en las ramas de un árbol de plátano y sosteniendo una ramita de madreselva. Esta olorosa planta trepadora simbolizaba los vínculos del amor en la época victoriana, y Rossetti pudo haberla incluido en el cuadro como una sutil referencia a la relación entre el artista y la modelo. Rossetti también era poeta, y el título se vincula con uno de sus poemas que tiene el mismo nombre y que termina:

Ella sueña; hasta ahora en su libro olvidado
Deja caer la olvidada flor desde su mano.

– Fotografía:

La colección contiene más de 500.000 fotografías que datan desde el principio de este arte, siendo la imagen más antigua de 1839. La galería muestra una serie de exhibiciones temporales en las que se van mostrando diversas partes de esta colección.

. David Goldblatt – Joven dirigiéndose al mercado en Flagstaff (1975); David Goldblatt – Mujer llevando marisco en Port St. John’s (1975)

Esta serie fotográfica realizada en 1975 lleva el nombre de “Particulars”, en la que David Goldblatt retrata detalles de personajes anónimos de Johannesburgo. A partir de los pocos elementos que aparecen en cada fotografía el espectador crea una biografía imaginaria del retratado.

 

– Retratos de miniaturas:

Los retratos en miniaturas se desarrollaron a partir del siglo XVI. Consistían en retratos o pequeños cuadros encajados en diversos objetos como medallones, relojes de sobremesa, joyeros u otros objetos similares. El marco de los retratos, con frecuencia es un medallón ovalado.

Este nuevo tipo de pintura en miniatura se realizaba en una gran variedad de técnicas pictóricas como óleo sobre cobre, estaño, esmalte o marfil, aguadas sobre pergámino o cartulina, o desde el Siglo XVIII acuarelas o aguadas sobre marfil.

En el siglo XIX, con el desarrollo de la fotografía se inició la decadencia de este arte.

En Inglaterra se desarrolló como una forma o técnica independiente del resto de la pintura, a partir de la obra de pintores como Holbein el joven, Isaac Oliver y Samuel Cooper el cual alcanzó, en este arte, la perfección.

. Hans Holbein – Retrato en miniatura de Jane Small (1540)

Cuando Holbein pintó esta imagen en 1536, era prácticamente desconocido en Inglaterra, excepto para los cortesanos, el hecho de ser retratado en un cuadro. Hasta entonces, los retratos habían sido parte de las tradiciones de los funerales de las personas poderosas. Este bella miniatura, sin embargo, muestra que casi desde el momento de su invención, el retrato de miniatura no era exclusivamente un arte de la corte.

El escudo de armas, pintado en una pieza de vitela asociado con este retrato y dispuesto en la tapa, identifica la modelo como “Mrs. Pemberton”. Esta identificación ha sido siempre un misterio, puesto que Mrs. Pemberton se cree que fue la esposa de un oscuro caballero  de campo que vivió en la aldea de Northamptonhsire, lejos de la corte y de Londres, donde Holbein trabajaba.

Recientemente, sin embargo, los indicios han sido reinterpretados, y la explicación más probable es que la modelo sea Mrs. Jane Small, cuyo nombre de soltera fue Pemberton. Jane fue la esposa de un próspero comerciante de Londres, Nicholas Small, y eran vecinos de Holbein. No se sabe si fue pintada por una ocasión especial o porqué lleva una flor roja con dos espigas y una hoja.

– Grabados y dibujos:

La sala de grabados y dibujos del museo tiene la función de mostrar rotatoriamente una colección de ejemplares que asciende al medio millón, incluyendo acuarelas, dibujos a tinta, barajas de cartas y papeles pintados.

. Paxton Chadwick – Flores del pantano (1960)

Se trata de la ilustración finalizada para el libro nº 11 de Pantoscope Series, una colección de libros publicada por Cassell. Utilizando un formato alargado, el artista muestra aproximadamente 16 especies de flores que son comunes en pantanos. La forma de crecimiento y las fases de florecimiento de cada planta está claramente caracterizado, sin embargo la ilustración es una alteración de la naturaleza porque es improbable encontrar todas estas plantas juntas en un mismo lugar; no todas florecen a la vez. Sin embargo, se trata de convenciones comunes utilizadas en las ilustraciones botánicas, y es un modo efectivo y económico de retratar plantas para una sencilla guía de campo.

– Platería religiosa y Vidrieras:

La riqueza o la simplicidad de los cálices utilizados en el culto cristiano muestran las diversas teologías que existen. En distintas épocas de la historia de la Iglesia, se han ido creando diversos objetos para responder a las preocupaciones y creencias del momento: relicarios para contener los venerados restos de un santo, cruces para las procesiones, platos de limosnas para el reparto a los más pobres… Esta diversidad de objetos de plata refleja la compleja historia de la Iglesia y de la fe de sus miembros.

La colección de vidrieras corresponden a fragmentos de composiciones mayores que fueron retiradas de su lugar original por decisiones de restauradores o rescatados cuando los edificios sufrieron algún derrumbamiento. La colección consta de vidrieras que abarcan un periodo histórico comprendido entre 1140 y la actualidad.

. Relicario. España. Siglo XVI.

Los huesos y posesiones asociados a Cristo y los santos son conocidos como reliquias. En la Edad Media se creía que tenían poderes milagrosos, siendo muy venerados.

Las reliquias eran guardadas en contenedores especiales, llamados relicarios, que estaban adornados con materiales preciosos y delicadamente tallados, reflejando la importancia de sus contenidos. Las reliquias en sí, eran visibles ocasionalmente, dispuestas tras pequeñas ventanas de cristal y envueltas en un pergamino con el nombre del santo. Catedrales e importantes iglesias coleccionaban relicarios y los mostraban cerca del altar mayor en los principales días santos.

Cada lado de este relicario posee 36 departamentos para reliquias, conteniendo huesos y su pergamino escrito en el siglo XVII en el que se indica a qué santo pertenece, como Santa Catalina, Lucía, Pablo e Isabel. Algunos departamentos contienen fragmentos de ropa y retratos grabados de los santos.

– Escultura:

La colección de escultura de las Galerías Dorothy y Michael Hintze reflejan los retratos británicos y la escultura mitológica o “ideal”. Los retratos a menudo muestran a los modelos en estilo neoclásico, como si tuviesen un papel en la historia clásica. Las escenas mitológicas, a veces, también puede incluir retratos de la esposa del cliente o hijos, de modo que aparece una vinculación entre temas realistas y alegóricos.

Durante el siglo XVIII, en Gran Bretaña se hizo muy popular la escultura para los jardines. Estatuas, monumentos y templos poblaron los grandes jardines paisajistas. Los temas tratados en este tipo de escultura estaba vinculado con la mitología clásica, en parte porque los clientes y coleccionistas intentaban imitar los jardines italianos clásicos y renacentistas.

. Antonio Canova – Teseo y el Minotauro (1782)

El legendario héroe griego Teseo se sienta a horcajadas sobre el minotauro que acaba de matar. Los hilos que Teseó utilizó para poder volver sobre sus pasos y salir del laberinto aparecen en la pierna izquierda del minotauro. Se trata de uno de las primeras obras completas que realizó Canova después de abandonar Venecia e instalarse en Roma, en 1781.

El masivo bloque de mármol en el que fue tallado este conjunto escultórico, fue dado por su cliente Girolamo Zulian, embajador de Venecia en Roma. Zulian le dio a Canova la posibilidad de elegir el tema de la obra, y decidió retratar una de las historias de las Metamorfosis de Ovideo.

El pintor escocés, arqueólogo y comerciante de arte, Gavin Hamilton (1723-1798), que era amigo de Canova, sugirió que retratase a Teseo y el Minotauro después de la lucha. Gavin consideraba que Canova ganaría más favor y elogios críticos si creaba un grupo estático en vez de uno violento.

El escultor, de hecho, recibió la aclamación de todo el mundo, y le ayudó a que Canova se ganase la reputación de ser el escultor más influyente de la Europa de su tiempo. Cuando Canova terminó el trabajo, su cliente Zulian se había trasladado a Constantinopla, por lo que Canova la vendió a Graf Fries, transportándose a Viena. Probablemente hacia 1820, la escultura fue adquirida por el 3º Marqués de Londonderry, donde permaneció en Londonderry House hasta el año 1960 en el que el Museo la compró.

– Plata:

La colección de plata consta de más de 10.000 objetos, distribuidos en la Plata Británica antes de 1800, Plata Británica de l 1800 al 1900, Plata Modernista y Contemporánea, y finalmente Plata Europea.

. Elie Pacot – Aguamanil y bandeja de plata (1711-1712)

Esta bandeja y aguamanil de plata fueron encargados por John Churchill, Primer Duque de Marlborough, uno de los más grandes líderes militares de Gran Bretaña. El encargo se hizo para ser expuestos en el aparador de su comedor en el Blenheim Palace y Marlborough House, Londres.

– Tapices:

La colección de tapices cuenta con diversos ejemplos de la manufactura británica a finales del siglo XVII y principios del XVIII, y de la Europa Continental, como del taller de los Gobelinos, o de centros tan importantes como Bruselas, Tournai, Beauvais, Estrasburgo y Florencia. Lo más destacado de la colección son los Tapices de Caza de Devonshire, excepcionales ejemplares del siglo XV procedentes de Holanda.

. Los Tapices de Caza de Devonshire. Holanda. 1440-1450

En el siglo XV, los tapices proporcionaban color, calidez y como cortavientos en las inhóspitas habitaciones de muros de piedra. Además, con la narrativa de los tapices se proporcionaba entretenimiento e interés para el propietario y los huéspedes en un tiempo de poca literatura, cuando las imágenes eran extremadamente importantes.

El grupo de los cuatro Tapices de Caza Devonshire, pertenecieron a los duques de Devonshire. Se trata de tapices de grandes dimensiones que no fueron realizados en Inglaterra, sino que tuvieron que ser importados en el siglo XV desde algún taller del sur de Holanda, donde existían numerosos talleres de tapices. Los orígenes de estos tapices se desconoce pero han sido identificados como bienes en el Hardwick Hall de Derbyshire durante el siglo XVI, gracias a un inventario realizado en 1601 por la Condesa de Shrewsbury. Esta famosa mujer de la nobleza, que se casó en cuatro ocasiones, había construido Hardwick Hall, amueblándolo a su gusto, incluyendo estos tapices de caza del siglo XV.

– Caza de Ciervo: La caza era un tema particularmente poderoso, y podría haber sido el pasatiempo preferido de la familia que poseyó los tapices. La caza era tanto un deporte como una importante fuente de comida. Todos los tipos de caza tenían su propio protocolo, y para aquella época se habían escrito tratados sobre cada uno de las principales formas de este deporte. La caza de ciervos era conocido como el deporte de los reyes, y estaba destinado a la corte. En este tapiz la escena principal muestra distintas partes de la caza del ciervo, incluyendo, en la parte inferior central, la cruenta escena de un ciervo muerto siendo cortado en trozos y distribuyéndose la carne. Esto se realizaba como un ritual, repartiendo partes específicas de carne a ciertos cazadores y perros.

El tapiz tiene dos “registros” horizontales; la parte superior que muestra la cetrería a pie. Este deporte utilizaba halcones para coger patos y otras aves salvajes. Esto era apreciado por los príncipes y la aristocracia, teniendo sus propios rituales. Las mujeres participaban utilizando halcones más pequeños que el de los hombres, y cuya actividad se muestra en el tapiz como en un ambiente de cotilleo y ostentación de las elegantes ropas, más que de un deporte.

Los vestidos de los participantes son los que eran utilizados en la corte, en especial en la de Borgoña, que tenía el control de los centros de fabricación de tapices del sur de Holanda. Es improbable que una actividad seria de caza tuviese lugar con ese ropaje tan exótico y que limitaba tanto los movimientos.

– Cetrería: Este tapiz esta compuesto por numerosas escenas que tienen sentido por sí solas. Este recurso era muy utilizado en el diseño de tapices de modo que, como ocurría a menudo, el tapiz podía ser cortado o alterado para adaptarse a las dimensiones de las habitaciones sin que la narrativa se perdiese.

– La Caza de Nutrias y Cisnes: Este tapiz muestra la caza de nutrias de un modo bastante cruento. Las nutrias no eran cazadas para comer sino por sus pieles. La carne de cisne, sin embargo, estaba altamente considerada, y en el tapiz se muestran niños robando del nido de un cisne. En aquella época, los cisnes sólo podían ser propiedad de la familia real, pero como éstos conseguían escapar, se convirtió en un entretenimiento de otras personas, aunque teóricamente sólo podían ser cazados con licencia. Un feroz oso es cazado en la parte derecha, donde también aparecen figuras vestidas de una manera oriental, con turbantes.

– Tejidos:

El museo cuenta con una afamada colección de tejidos. Cronológicamente empieza con los tejidos coptos y sigue con los tejidos británicos de los tres últimos siglos.

. Funda de cojín. Inglaterra. 1657

El tejido de la funda presenta abalorios de vidrio coloreado y transparente que están hilados junto con la seda. Este tejido del siglo XVII procede de Inglaterra, aunque se desconoce el autor. Sus medidas son unos 31 centímetros de ancho por unos 16.5 de alto.

– Teatro y Actuación:

En el año 2009, el V&A abrió las galerías del Teatro y Actuación, mostrando parte de la colección del antiguo Museo del Teatro. Esta colección reúne material de actuaciones en Gran Bretaña, desde la época de Shakespeare hasta nuestros días, cubriendo el drama, danza, musical, circo, rock, pop, y otras formas de entretenimiento en vivo. Algunos de los objetos mostrados en esta sección incluyen disfraces, libros de apuntador, carteles, etc…

. Adam Ant – Traje Prince Charming (1981)

Después de comenzar su carrera en una banda de punk rock a finales de la década de 1970, y actuando en la película punk Jubilee de Derek Jarman, la dirección musical y artística de Adam Ant cambió después de contratar a Malcolm McLaren en 1980. McLaren decidió redefinir su imagen, basando su estética en los piratas, algo que se convirtió en el sello de “Adam and the Ants”.

Esta banda se convirtió en una de las más exitosas en Gran Bretaña a principios de la década de 1980. Su estilo y su música fueron la vanguardia del creciente movimiento neoromántico.

Ant aconsejaba en el diseño de sus propios trajes, tomando como referencias vestidos históricos, militares o tribales, y trabajando con estilistas y diseñadores.

El traje de rock diseñado en 1981 es el más conocidos de todos, puesto que fue el que utilizó para las fotografías publicitarias y para el vídeo promocional de su sencillo “Prince Charming”, y posteriormente para su gira. Existen dos camisas, dos pares de bombachos, dos pelucas y dos pañuelos, no idénticos de estilos muy parecidos. Todos ellos fueron utilizados en distintas combinaciones durante su gira.

~ by lostonsite on 19 diciembre, 2010.

Gran Bretaña, Viajes

3 Responses to “Cuando se coleccionan todo tipo de artes”

  1. Busco pieza de pliqueajour

  2. El grupo de Sansón y el filisteo no es la única obra de gianbologna fuera de Italia.esta también la estatua ecuestre del rey Felipe III en realizada en bronce y actualmente ubicada en la plaza mayor de Madrid,España.

    • Gracias Andrés por el apunte!
      Según la Wikipedia existen muy pocas obras de Giambologna fuera de Italia, pues la mayoría se encuentran en Florencia (en el Museo Bargello, Jardín de Boboli, etc.), Luca, Pisa, Génova o Bolonia.

      Fuera de Italia, España posee algunas obras como la estatua ecuestre de Felipe III en la Plaza Mayor de Madrid, el bajorrelieve “Alegoría de Fancisco de Médicis” en el Museo del Prado, o la estatua orante del cardenal Rodrigo de Castro en el Colegio de Nuestra Señora de la Antigua, en Monforte de Lemos.

      Son muy pocas las obras que se conservan fuera de Italia, pero el grupo “Sansón venciendo a los Filisteos”, en el Museo V&A, no es el único ejemplo.

      ¡Saludos y muchas gracias por la aportación!

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