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Cuando se confrontan obras de distinto contexto temporal

BURRI Y FONTANA EN BRERA.

PINACOTECA DE BRERA
Del 17 junio al 3 octubre 2010

La exposición temporal “Burri y Fontana en Brera” propone una confrontación entre las grandes obras maestras de Lotto, Caravaggio, Raffaello, Bellini, Veronese, Rubens… etc. con los cuadros de Alberto Burri y Lucio Fontana. Dos grandes maestros del siglo XX que dialogan con vivaces y ricas confrontaciones, con acercamientos, oposiciones y contrastes.

A veces la comparación se basa en la asimilación de la obra moderna de un detalle figurativo de la antigua, otras se basan en el ritmo, la regularidad, la cadencia repetitiva de estáticos acoplamientos, en equilibrio y simétrica distribución espacial.

Colores, líneas horizontales, verticales y diagonales, conceptos como la perspectiva clásica y densidad matérica, lúcido y opaco, tonalidad y pliegues, bidimensionalidad y tridimensionalidad, disposición en el espacio y en el tiempo… son algunos conceptos que se usan como base de la confrontación de las obras.

. Alberto Burri:

Alberto Burri nació en Città di Castello, dentro de la provincia de Perugia (Umbría), en 1915. Entre 1934 y 1939 estudió medicina, obteniendo la titulación en 1940 de la Universidad de Perugia y fue médico militar durante cuatro años en la Segunda guerra mundial. Después de que su unidad fuera capturada en el Norte de África, fue internado en un campo de prisioneros en Hereford, Texas en 1944, donde comenzó a pintar. Después de su liberación en 1946, Burri se trasladó a Roma y se dedicó en exclusiva a la pintura; su primera exposición individual tuvo lugar en la Galería La Margherita en 1947. Después expuso en la Galería Malborough de Nueva York y en la galería de France de París.

En 1951, junto con otros artistas como Giuseppe Capogrossi o Ettore Colla fundó en Roma el grupo «Origen», en cuyas actividades participó. Marchó a Estados Unidos, donde impartió clases de arte desde 1953 hasta 1960. Participó en documenta 2, 3 y 7 de Kassel. Volvió a trabajar en Roma a partir de 1960. Su primera exposición retrospectiva se celebró en la Bienal de Venecia de 1960; en 1972 se celebraron retrospectivas en Turín y París.

Burri recibió la Orden del mérito italiano en 1994. Città di Castello lo recuerda con un gran museo permanente de sus obras.

Burri pronto se volvió hacia la abstracción (1949), con los catrame, obras realizadas con alquitrán y óleo sobre lienzo. Realizó cuadros de pintura matérica abstracta, muy cercanos al informalismo, especialmente español de la década de los años cincuenta. Su obra se relaciona con el tachismo europeo, el expresionismo abstracto estadounidense, y la abstracción lírica. Cultiva una «estética del desperdicio», con el uso de materiales poco convencionales próxima al Art brut de Jean Dubuffet y el nuevo realismo; se ha señalado además otras tendencias como origen de los elementos de su obra, como el neodadaísmo, el constructivismo y el arte povera. A su personal estilo se le denominó «polimaterialista».

El cuadro “Catrame” de Burri se compara con cuatro obras de Vincenzo Campi: “La vendedora de frutas”, “La vendedora de pollos”, “La vendedora de pescado”, “Cocina”. Este juego, en particular con “La vendedora de frutas”, se aprecia como en el cuadro de Burri la diferencia entre las figuras está potenciada por el uso de materias distintas: alquitrán, óleo y piedra pómez, mientras que en el cuadro del siglo XVI parece que la figura humana y la fruta que la rodea comparten la misma sustancia, en una continuidad que elimina la centralidad del ser vivo.

Utilizó la técnica del collages a partir de 1950, y la de ensamblajes de materiales diversos. Burri cogía de la realidad cotidiana materiales poco ortodoxos como pumita, alquitrán o arpillera. Empezó a realizar una serie de cuadros que se transformaban en tridimensionales.

La decisión cromática del rojo intenso que surge casi como un motivo central en la obra llamada “Rosso” de Burri y la “Piedad” de Lorenzo Lotto, se compara junto con la asonancia de ritmos. 

 

De 1952 son sus primeras pinturas sobre sacos. Burri comenzó a producir obras experimentando con madera, metal y plástico; hizo cuadros con madera carbonizada y arpillera como la primera serie de Cuadros negros; más tarde, probó con chapas de hierro soldadas.

El diálogo entre Combustión de Alberto Burri y el fresco de Simone da Corbetta realizado a finales del siglo XIV para la iglesia de Santa Maria dei Servi, se establece a través de las superficies del fondo. El fondo del fresco de la Virgen y el niño, estaba originalmente pintado con azul de lapislázuli, pero en la actualidad aparece negro debido al deterioro de la pintura. De aquí la comparación cromática con la tabla de Burri, fruto de una intervención destructiva (pero en este caso a conciencia) de la madera.

Ferro Sp4 de Burri, se expone junto a diversos retratos del siglo XVI con los que posee gran consonancia colorista (bronce, negro y gris). Los retratos de Lotto, Tiziano y Francesco Torbido junto con el cuadro de Burri, además del cromatismo tienen una cierta analogía con el uso de la profundidad. Así, en el retrato de Tiziano se consigue la profundidad con la introducción de una ventana donde se ve un pequeño paisaje natural, mientras que Burri consigue la profundidad a través del torneado del hierro.

 

También hizo lienzos con arpillera rota y papel quemado (serie de grandes Telas de saco, 1952-1956). Desde 1956 empieza sus Combustiones y la serie de los Hierros.

La textura del mimbre es el objeto común de las obras de “Sacco” de Burri y “Chico con cesta” de Pitocchetto. En el cuadro de Pitocchetto, el minucioso detalle de la cesta transmite su textura, mientras que en el cuadro de Burri, el conjunto de distintos materiales crea la misma textura. Además, ambos cuadros comparten la misma tonalidad cromática. 

 

Comenzó a experimentar con materiales sintéticos quemados, como el plástico, que arrugaba, doblaba y quemaba con una antorcha. A principios de los setenta comenzó sus pinturas «rotas».

El suntuoso cuadro de Crivelli “La coronación de la Virgen con la Trinidad y Santos”, con llamativos rojos y oros comparte color con el cuadro “Rosso Plastica” de Alberto Burri.

 

En los cuadros “Concetto spaziale” (1962) de Fontana y “Santa Elena y Santa Bárbara adorando la Cruz” de Tintoretto, la cruz aparece como el elemento común de los dos. En el cuadro de Tintoretto aparece como el elemento central que divide el lienzo en cuatro partes, mientras que en la obra de Fontana la cruz aparece trazada mediante la perforación del lienzo. 

 

La forma del arco es el elemento común entre la obra “Bianco Nero Cellotex” de Burri y “El encuentro del cuerpo de San Marcos” de Tintoretto. En este último aparece el arco en una estructura arquitectónica, repetido en numerosas ocasiones y creando perspectiva, mientras que en el cuadro de Burri aparece aislado, monocromo y bidimensional, que lo enfatiza y le concede todo el protagonismo.

  

De 1973 es su primer Cretto, imágenes que se realizaba en arcilla que, al cocerse en caolín, formaban grietas en la superficie. La más destacada de esta serie de obras es el Grande Cretto Nero que hizo para el jardín de esculturas de la Universidad de California en Los Ángeles (1976).

La textura matérica y cromática de la obra “Cretto” de Burri remite a las formas arquitectónicas, en las que aparecen  casetones finamente dibujados, en la obra “Pala Montefeltro” de Piero della Francesca. Ambos cuadros transmiten el contraste real y tangible de la materia y la sensación que suscita a los sentidos.

 

Creó, desde 1979 hasta los noventa, una serie de obras integrando en ellas el material industrial llamado cellotex (mezcla de serrín y cola) en tres colores: negro, blanco y oro.

En el cuadro “Nero e Oro” (1993) de Burri comparte con la obra “Sermón de San Marcos en Alejandría” (1504-1507) de Giovanni Bellini el rigor y la división vertical del espacio (o de la acción). Además el triángulo de oro dialoga con los mosaicos de oro que decoran la fachada de la imaginaria iglesia de Alejandría de Egipto pintada por Bellini.

Tuvo el proyecto, inacabado, de transformar el pueblo de Gibellina, en Sicilia, en un gran Cretto. En Gibellina, realizó, entre 1985 y 1989 el Grande Cretto al cubrir de cemento blanco todo un barrio destruido por un terremoto y abandonado por los habitantes. Se trata de un ejemplo monumental de land art. Se presenta como un inmenso casquillo (coltre) de cemento blanco que se extiende sobre el lado sur-sureste de la montaña adoptando la forma de un cuadrilátero irregular de aproximadamente 300 metros por 400. En el cemento trazó grandes trincheras, de 1,60 metros de profundidad y de 2 a 3 metros de longitud, permitiendo a los visitantes circular por ellas. Siguen el trazado de las calles de la antigua ciudad, y permiten restituir la idea de la ciudad antes del terremoto.

. Lucio Fontana:

Lucio Fonatana (1899-1968) pasó los primeros años de su vida en Italia. Durante la Primera Guerra Mundial fue herido en un combate por lo que se le otorgó una medalla de plata al mérito. Unos años después de la guerra, Fontana regresó a Argentina en 1921. Durante su estancia en Argentina trabajó como escultor junto con su padre, regresando a Italia en el año 1928.

En 1930 presentó su primera exposición, organizada por la galeria Il Milione, en Milán. En la siguiente década viajó varias veces entre Italia y Francia, trabajando con artistas de arte abstracto y también con expresionistas.

En 1940 retornó nuevamente a Buenos Aires, donde en 1946 fundó, junto con algunos de sus alumnos la academia Altamira y dio a conocer el Manifiesto Blanco, en el cual sostiene “La materia, el color y el sonido en movimiento son los fenómenos cuyo desarrollo simultáneo integra el nuevo arte”

Nuevamente en Milán, en 1947, apoyó, con otros escritores y filósofos, el primer manifiesto del espacialismo, retomando al mismo tiempo sus trabajos de cerámica en Albisola. Los continuadores de los postulados de Fontana en Italia son: Piero Manzoni, Castellani, Agostino Bonalumi, Paolo Scheggi; y en parte también Nigro, Alviani y Mari. En España el escultor Pablo Serrano da a conocer, en marzo de 1971, el manifiesto teórico del Intraespacialismo, en parte continuador de las teorías del propio Fontana con el que entabló amistad en sus años en Rosario de Santa Fe.

A partir de 1958 inició la denominada serie de los cortes, consistente en agujeros o cortes sobre la tela de sus pinturas, los cuales dibujan el signo de lo que él mismo denomina “un arte para la Era Espacial”.

El cuadro amarillo de la obra “Concetto spaziale. Attese” de Fontana se refleja -curiosamente con la misma tonalidad- con el sol de la “Anunciación” de Francesco Francia.

 

Los cortes de “Concetto spaziale. Attese” de Lucio Fontana delimitan dos espacios verticales enfrentados, que se oponen a una línea imaginaria horizontal que crea la suntuosa mesa de Veronese, donde aparecen comensales sentados detrás y delante de la mesa en el cuadro “Cena en Casa de Simón”

 

El diálogo entre Rubens y Fontana se realiza mediante el “Cenacolo” y tres esculturas de bronce llamadas “Concetto spaziale. Natura”. En el cuadro de Rubens, las figuras están dispuestas creando una composición trinagular, enfatizando la diagonal para buscar una mayor perspectiva. Esta persepectiva se vuelve a proponer con las esculturas de Fontana.

 

Tras la serie de cuadros realizados con su “Concepto Espacial”, realizó una serie de telas recortadas con múltiples elementos combinables, denominados Quanta.

La obra de Lucio Fontana Quanta (1960), compuesta de nueve figuras geométricas, se compara junto a los diversos frescos que componían los frescos de Bernardino Luini, realizados en el siglo XVI para la villa La Pelucca, en Sesto San Giovanni. Se trata de dos modos diversos de ocupar el espacio vacío, en un caso, de forma natural, y en otro caso con una disposición de elementos en grupos de tres. 

Venecia es el tema en común de las obras de Giovanni Antonio Canal, llamado el Canaletto y la obra “Concetto spaziale. Venice Moon” de Lucio Fontana. Parece como si las ondas del Gran Canal retratadas por Canaletto invadiesen el cuadro de Fontana, cuyas ondas ocupan toda la superficie del cuadro.

 

Participó en la Bienal de San Pablo y en numerosas exposiciones en Europa y en Oriente, y tambiénen Londres, París y Nueva York. Poco antes de su muerte estuvo presente en la manifestación Destruction Art, Destroy to Create (Arte de Destrucción, Destruir para crear ) en el Finch College Museum of Art de New York.

En Comabbio, de donde es originaria su familia, muere el 7 de septiembre de 1968. Sus obras se encuentran en las colecciones permanentes de más de cien museos de todo el mundo. Es suyo el busto del periodista y fundador del periódico ‘La Capital’, obra en mármol de Carrara.

~ by lostonsite on 11 julio, 2010.

Italia, Viajes

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